DEDALO TEATRO

Dialoghi: sequenza tratta da "Coffee and Cigarettes"

2011-11-30T17:33:00.003+01:00

Coffee and Cigarettes è un progetto cinematografico di Jim Jarmusch formato da 11 cortometraggi in bianco e nero realizzati a partire dal 1986. Sono 11 varianti di una medesima situazione che vede come elementi costanti un tavolino di un bar, delle tazze di caffè bollente e tante, tantissime sigarette fumate con gusto da persone piuttosto singolari: amici, fratelli, improbabili cugini o perfetti sconosciuti. Tra una boccata di sigaretta e un sorso di nero caffè americano i personaggi parlano di cose effimere e inutili, inventandosi spesso frottole di sana pianta che fanno morire dal ridere. Come la poco credibile seconda professione di Tom Waits, famoso musicista durante il giorno e sconosciuto medico chirurgo la notte che salva la vita a gente quasi morente con il tappino di una biro. E via così.

Il dialogo che vi consigliamo oggi è preso dal terzo capitolo della serie, intitolato Somewhere in California, e vede come protagonisti i vecchi amici Iggy Pop e Tom Waits.

TOM: Sono tue le sigarette?

IGGY: No, erano già lì quando mi sono seduto.

TOM: Ah.

IGGY: Tu non fumi no?

TOM: No… no, ho smesso.

IGGY: Grazie al cielo neanch’io.

TOM: Un taglio netto.

IGGY: Basta veleno! Ormai sono 25 anni… ah, mio dio!

TOM: Finito.

IGGY: Sono pieno di energie.

TOM: Oh! Io sono rinato.

IGGY: E poi da quando ho smesso… insomma tutto è… tutto è più… ssshhh.

TOM: Sì, sì è tutto più a fuoco, pazzesco. E’ vero.

IGGY: E’ vero?

TOM: Per me è uguale.

IGGY: Che pena mi fanno quei coglioni che si affumicano il cervello e i bronchi. Non hanno forza di volontà.

TOM: Sempre col ciuccio! Sai cosa? Il bello è che quando si smette è che… è che avendo smesso, posso anche fumarne una. Perché ho smesso.

IGGY: Eh…

TOM: Capisci, è un fatto ornamentale, non è mica… non l’aspiro nemmeno.

IGGY: Mh…

TOM: Perché non mi tieni compagnia?

IGGY: Perché no? Sì, tanto ho smesso anch’io.

TOM: Certo! L’essenziale è smettere poi una te la puoi fumare, no?

IGGY: Adesso posso no? Come no. Ok.

TOM: Ecco.

IGGY: Oh! Alla faccia… salute eh?

TOM: Sì! Adesso hai capito cosa vuol dire smettere?

IGGY: Ah… caffè e sigarette, questo sì che è un matrimonio.

TOM: Non si batte.

Marco

Monologhi: Lionel Abelanski a.k.a. Shlomo

2011-11-28T17:08:00.002+01:00

Nel 1998 dalla Romania arriva un film di notevole interesse, Train de vie, una rilettura surreale della tragedia della Shoa. Il regista e sceneggiatore del film è Radu Mihăileanu, autore del recente Le Concert. La trama è tanto semplice quanto geniale: gli abitanti di un piccolo villaggio ebraico dell’Europa dell’Est, all’inizio della Seconda Guerra Mondiale, decidono di creare un finto treno di deportazione per fuggire dall’Europa e raggiungere la Palestina, futura terra promessa. La buffa idea che salverà la vita a tutti gli abitanti dello shtetl è di Shlomo, il pazzo del villaggio. Solo a pochi secondi dalla fine, però, si scopre che tutta la storia alla quale abbiamo assistito è il frutto bizzarro di una mente fantasiosa. Vediamo il bel faccione di Shlomo dietro ad un filo spinato che, sorridente, ci dice: “Questa storia è vera… o quasi”. E giù pianti.

Il monologo tratto dal film è proprio dello stesso Shlomo. Rivolgendosi al rabbino della comunità, il nostro esprime alcune ragionevoli perplessità sull’esistenza di Dio, suscitando non poco sconcerto tra i compagni di viaggio.

“Dio creò l’uomo a sua immagine”… è bella. Gloime ha immagine di Dio. Ma chi l’ha scritta questa frase nella Torah? L’uomo, non Dio. L’uomo. L’ha scritta senza modestia paragonandosi a Dio. Dio forse ha creato l’uomo, ma l’uomo… l’uomo, il figlio di Dio, ha creato Dio solo per inventare sé stesso. L’uomo ha scritto la Bibbia per paura di essere dimenticato, infischiandosene di Dio. Rabbino, non amiamo e non preghiamo Dio, ma lo supplichiamo, lo supplichiamo perché ci aiuti a tirare avanti. Cosa ci importa di Dio per come è? Ci preoccupiamo solo di noi stessi. Allora la questione non è solo sapere se Dio esiste, ma se noi esistiamo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da “The Social Network”

2011-10-25T00:12:00.005+02:00

Quest’oggi la rubrica Dialoghi vi segnala una sequenza di The Social Network, film dello scorso anno diretto da David Fincher, vincitore di quattro Golden Globe e tre premi Oscar, tra cui miglior sceneggiatura non originale (il film è tratto dal fortunato libro di Ben Mezrich Miliardari per caso – L’invenzione di Facebook: una storia di soldi, sesso, genio e tradimento). Jesse Eisenberg interpreta Mark Zuckerberg, il nerd più famoso di Harvard degli ultimi anni, inventore, insieme all’amico Eduardo Saverin, di Facebook. Il film racconta le vicissitudini dei due compagni di università che, nemmeno ventenni, crearono il social network più popolare di tutti i tempi, tra colpi di genio, inganni, inimicizie e cause legali. Forse è il film più riuscito dello scorso anno, e probabilmente uno dei più belli degli ultimi dieci.

Il dialogo che trovate qui sotto racconta l’inizio della storia, quando Eduardo e Mark mettono per la prima volta online la loro invenzione. Era il 4 febbraio 2004.

SAVERIN: Ti aspettavo alle 9.

ZUCKERBERG: Devo aggiungere…

SAVERIN: Hai dormito un po’?

ZUCKERBERG: Devo aggiungere una cosa!

SAVERIN: Che?

ZUCKERBERG: …

SAVERIN: Cazzo mi piace, è veramente fico!

ZUCKERBERG: Semplice e pulito: niente Disneyland, niente ragazze nude in chat, però guarda…

SAVERIN: Che scrivi?

ZUCKERBERG: "Situazione sentimentale", ti piaccio? E' questo che smuove la vita in università. Vuoi fare sesso o non vuoi? Per questo la gente si sceglie certi corsi o si siede in un posto invece di un altro. Diciamo che nella sua essenza è questo che “TheFacebook” sarà per loro. Si connetteranno perché dopo le patatine e i pasticcini c’è la possibilità che riescano davvero a…

SAVERIN: A scopare!

ZUCKERBERG: Conoscere una ragazza, sì.

SAVERIN: E’ veramente fico.

ZUCKERBERG: E ci siamo.

SAVERIN: Che vuoi dire?

ZUCKERBERG: E’ pronto.

SAVERIN: E’ pronto?

ZUCKERBERG: Sì.

SAVERIN: Adesso?

ZUCKERBERG: Ho finito. E questo è il colophon.

SAVERIN: Hai fatto un colophon?

ZUCKERBERG: Sì.

SAVERIN: Eduardo Saverin cofondatore e direttore finanziario.

ZUCKERBERG: Già.

SAVERIN: Non hai idea di che cosa vorrà dire per mio padre.

ZUCKERBERG: Sì invece.

SAVERIN: E quando saremo online?

ZUCKERBERG: Adesso. Prendi il tuo portatile.

SAVERIN: Perché serve il mio portatile?

ZUCKERBERG: Perché hai le email di tutti quelli del Phoenix.

SAVERIN: Oh… si, ma non so se è una buona idea se ora spammo le loro caselle.

ZUCKERBERG: Questo non è spam.

SAVERIN: No no, lo so che non è spam…

ZUCKERBERG: Se le mandiamo ai nostri amici facciamo solo il giro del laboratorio.

SAVERIN: Non mi hanno ancora ammesso.

ZUCKERBERG: E’ gente che conosce gente, e mi servono le loro email.

SAVERIN: Certo.

ZUCKERBERG: Bene. Dammi la mailing list.

SAVERIN: Cicerampa.lisserf@harvard.com

ZUCKERBERG: Non ci credo. Geni della letteratura… usare il personaggio più scontato di Lewis Carrol per…

SAVERIN: Non sono così male.

ZUCKERBERG: Tanto per dire.

SAVERIN: Sì, hai ragione.

ZUCKERBERG: Il sito è in rete.

SAVERIN: Allora andiamo a bere, dobbiamo festeggiare. Offro io!

ZUCKERBERG: …

SAVERIN: Mark? Mark? Stai pregando?

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Il grande Lebowski"

2011-10-12T04:01:00.011+02:00

Il Grande Lebowski è un film del 1998 scritto, prodotto e diretto da Joel e Ethan Coen. Jeffry Lebowski alias il “Drugo”, interpretato da Jeff Bridges – attore feticcio dei due fratelli di Minneapolis, viene trascinato in una infinita serie di sventure a causa di uno sfortunato caso di omonimia. Il fatto scatenante le vicende è esilarante: due killer irrompono nella casa butterata del Drugo, e trovandosi di fronte la persona sbagliata decidono di urinare sul suo amatissimo tappeto senza motivo alcuno. Il nostro si mette così sulle tracce del magnate Jeffry Lebowski per farsi risarcire il danno. Questa scelta lo farà precipitare in un vortice di situazioni grottesche e surreali, complice l’imprevedibile amico Walter Sobchak, artefice di strategie investigative non proprio efficaci. Nonché suo compagno di team nel torneo di bowling della città, ai quali i due sembrano tenere più di ogni cosa.

Proprio nella “sacra” sala da bowling è ambientato il piccolo dialogo tratto dal film, eccolo.

DRUGO: Senti, dammene un altro.

GARY: Subito.

DRUGO: Begli amici quelli eh, Gary.

GARY: Hai ragione Drugo.

STRANIERO: Hai una buona salsapariglia?

GARY: Beh, ci arriva da zio Siti!

STRANIERO: Si, quella è buona. Come te la passi Drugo?

DRUGO: Non troppo bene.

STRANIERO: Una di quelle giornate eh?

DRUGO: Già.

STRANIERO: Beh, uno molto più saggio di me una volta mi disse: “A volte sei tu che mangi l’orso - muito obrigado - e altre volte è l’orso che mangia te”.

DRUGO: E’ un modo di dire dell’est?

STRANIERO: No, veramente. Hai un certo stile, mi piaci.

DRUGO: Grazie, anche tu sei forte. Ho sempre avuto un debole per il cowboy come concetto.

STRANIERO: Grazie. Solo una cosa, Drugo.

DRUGO: Sarebbe?

STRANIERO: Devi proprio dire tutte quelle parolacce?

DRUGO: Ma che cazzo dici amico?

STRANIERO: Ok Drugo, fai come ti pare. Stammi bene Drugo.

DRUGO: Grazie, ci vediamo.

Marco

Monologhi: Nanni Moretti a.k.a. Nanni Moretti (!)

2011-09-28T03:50:00.006+02:00

Nel 1998 Nanni Moretti firma la regia di Aprile, suo ottavo film, del quale è anche attore protagonista nel ruolo di se stesso. Dopo la vittoria schiacciante ottenuta dalla destra nel 1994, che ha consacrato l’ascesa di Silvio Berlusconi nel panorama politico italiano, Moretti sente il bisogno di fare un documentario sull’Italia per indagare le ragioni che hanno portato una simile tragedia. Peccato però che più volte nel bel mezzo delle pianificazioni del progetto di cui, a parole sue, l’Italia stessa ha cotanto bisogno, Moretti abbandoni l’idea in favore di un musical su un pasticciere trotskista. Alla fine porterà a termine proprio questo secondo progetto, realizzando così il suo più grande desiderio, come confermano queste parole: “Che bello sarebbe se riuscissi a girare quel film musicale, gli anni ’50… a sinistra tutti per Stalin, però c’è un pasticcere, trotskista, isolato, calunniato che solo nel suo laboratorio, tra le sue paste e le sue torte, è felice. E dimentica. E balla”.

Il monologo tratto dal film riguarda il capitolo del documentario sull’Italia dedicato al giornalismo. C’è da ridere e c’è pure da piangere, ahinoi.

“Salve”. “Salute”. “Come Stai?”. “Il Mio Giardino”. “Gardenia”. “Quattro Ruote”. “Quattro Zampe”. “Cani – Una rivista di razza”. “Essere”. “Volare”. “Correre”. “Il Mio Condominio”. “Grazia”. “Scarpe e Sport”. “Le Specialità di Lisa Biondi”. “Pasta Magazine”. “Ville e Casali”. “Cose Antiche”. “Case Antiche”. “Sirio”. “Astra”. “Progresso Fotografico”. “L’Espresso”, se posso ordinare le copertine dell’”Espresso” degli ultimi dieci anni, mi servono per una ricerca. “Bolina”. “Cicloturismo”. “Il Corriere della Sera”. “La Stampa”. “Il Gommone”. “Montagna”. “Legno e Pietra”. “La Repubblica”. “La Manovella e Ruote a Raggi”. “Archeo”. “Bell’Italia”. “Airone”. Un capitolo del mio documentario sull’Italia è dedicato al giornalismo. Comincio subito a tagliare e ritagliare, incollare e cucire e mi accorgo che i giornali sono uguali e soprattutto usano e si scambiano sempre gli stessi giornalisti. C’è quello che scrive di politica su un quotidiano, di cinema su un settimanale di sinistra e di letteratura su un mensile di destra. C’è quell’altro che scrive contemporaneamente sul Corriere della sera, su un settimanale femminile e su un mensile delle Ferrovie dello Stato. E naturalmente vignette e satira politica ovunque, perché la satira non ha padroni, quindi sta bene sotto ogni padrone. Insomma, un unico, grande giornale.

Marco

Dialoghi: Sequenza tratta da "Le conseguenze dell’amore"

2011-09-22T16:40:00.009+02:00

La rubrica Dialoghi torna alla carica, e come prima scena della nuova stagione del blog vi propone un dialogo tratto da un film italiano molto bello, Le conseguenze dell’amore di Paolo Sorrentino. Protagonista assoluto è Toni Servillo nei panni di Titta Di Girolamo, un uomo che vive solo in una stanza d’albergo del Canton Ticino da otto anni, e soffre d’insonnia. Queste sono le poche informazioni date allo spettatore all’inizio del film. La vita del signor Di Girolamo sembra quella di un automa: tutte le settimane compie le stesse azioni agli stessi orari, mai uno sgarro. Qualcosa comincia ad incrinarsi nel suo assoluto rigore esistenziale quando una donna entra nella sua vita, e lo porta a scrivere su un cartoncino le parole che danno il titolo al film: “progetti per il futuro: non sottovalutare le conseguenze dell’amore”.

Il dialogo che segue vede come protagonista il nostro alle prese con l’albergatore dell’hotel.

ALBERGATORE: Puntuale come sempre.

TITTA DI GIROLAMO: Siamo in Svizzera, no?

ALBERGATORE: Mhmh…

TITTA DI GIROLAMO: C’è qualche problema?

ALBERGATORE: Un cliente dell’albergo viene da me e mi dice: “Quel suo cliente, Di Girolamo, non è vero che fa l’intermediario finanziario, mente.” “E con questo?” gli dico. “E’ una cosa sospetta - dice lui - si dovrebbe indagare”. E’ a questo punto che gli ho dato la mia risposta. Una risposta che avrebbe fatto inorgoglire qualsiasi direttore d’albergo. La vuole sentire?

TITTA DI GIROLAMO: Sono pronto.

ALBERGATORE: Gli dico: “Gentile cliente, il dottor Titta Di Girolamo paga puntualmente la sua stanza ogni primo del mese da otto anni a questa parte. Ma non paga solo una stanza o una pensione completa… nel prezzo della stanza è compreso un altro servizio: la discrezione.” Questo gli ho risposto.

TITTA DI GIROLAMO: Una risposta notevole.

ALBERGATORE: Eh sì, è vero. Tuttavia, mi è rimasta una curiosità personale. Si insomma, lei, che lavoro fa veramente?

TITTA DI GIROLAMO: Lei è una persona troppo intelligente per non sapere che ogni uomo ha un suo segreto inconfessabile. Facciamo così, lei mi racconta il suo segreto più inconfessabile, il più recondito, e io le racconto il mio.

ALBERGATORE: Lei sarebbe un magnifico giocatore di poker. Ha il volto immobile…

TITTA DI GIROLAMO: Lei sta prendendo tempo.

ALBERGATORE: Ho rubato un paio di sci. Si, parecchio tempo fa, in montagna, fuori da un rifugio. E poi un’ora dopo stavo risalendo e ho incrociato con lo sguardo un tizio che scendeva giù in seggiovia, era infuriato. Aveva gli scarponi ai piedi, aveva le racchetta ma non aveva gli sci. Aveva una faccia talmente antipatica… non mi sono affatto sentito in colpa. Adesso tocca a lei.

TITTA DI GIROLAMO: Avrò avuto vent’anni, ero in cucina con il mio fratellastro di un anno, dovevo controllare se la sua pastina era troppo calda. La assaggio, era tiepida. Faccio anche un’altra scoperta, era molto buona. Una gran pastina al pomodoro. Io m’ingozzo avidamente davanti a lui mentre lui piange dalla disperazione. Ma credo che sarà sopravvissuto al digiuno di quel giorno.

ALBERGATORE: Mi sono divertito molto.

TITTA DI GIROLAMO: Anch’io.

Marco

Novità settembrine

2011-09-20T01:36:00.007+02:00

Ciao a tutti!

Il blog di Dedalo riapre ufficialmente le danze!

A luglio c’eravamo lasciati con la promessa di alcune novità per questa nuova stagione, e visto che a noi le promesse piace mantenerle, eccone una fresca fresca: Dedalo Teatro ha aperto un canale youtube, in cui potete vedere i trailer degli spettacoli tenuti al Teatro Trebbo nel mese di giugno. Ricapitolando, i cinque saggi portati in scena sono stati “Al vertice di possibilità” di Camilla Antoniotti, “Dimenticammo i sogni più belli” di Massimiliano de Mattia, “Taxisti di giorno (Del mondo e anche del resto)” di Beatrice Morandi, “…finché l’acqua scorrerà…” di Laura Tombini e “Dove nuotano le pernici rosse” di Laura Butti. Oltre a questi cinque video sul nostro canale youtube troverete un maxitrailer che raccoglie alcuni momenti di tutti i saggi, come se fossero un unico grande spettacolo, e pure un video contenente alcune scene girate durante le lezioni di recitazione cinematografica lo scorso anno nelle aule di Dedalo. Insomma, ce ne sono di cose da vedere, fatevi un giro su youtube! L’indirizzo è questo (e se vi piacciono i video, iscrivetevi al canale eh, mi raccomando): http://www.youtube.com/user/DedaloTeatro

Presto ricominceranno le segnalazioni di monologhi e dialoghi tratti da film più o meno famosi disponibili in rete.

Siamo sempre aperti a suggerimenti e consigli di ogni tipo.

A presto.

Marco

Il volo - la foto vincitrice

2011-07-12T03:33:00.006+02:00

Si è conclusa la prima edizione del concorso fotografico di Dedalo Teatro, dal tema Il volo. La fotografia vincitrice, la numero 1 (manco a farlo apposta), è stata premiata lo scorso 24 giugno da Roberto Fossati in occasione della festa di fine anno dell’associazione.

L’autrice dello scatto è Maria Pia Rega, e l’attrice fotografata Sara Insaudo, entrambe associate solo da quest’anno a Dedalo Teatro. Complimenti per l’idea, per l’impegno e per la tecnica di realizzazione!

Una menzione speciale è stata assegnata alla foto numero 23 di Stefano Beccaro, per l’originalità del contenuto, e alla numero 10 di Marco Scotuzzi, per consenso popolare. Bravi pure loro.

Aspettiamo da voi suggestioni o consigli sul tema della prossima edizione del concorso, siamo aperti a qualsiasi stimolo. Avete tutta l’estate per pensarci, e forse anche qualcosa di più.

Ora, a luglio inoltrato, il blog di Dedalo se ne va in vacanza per qualche tempo, ma tornerà presto più in forma che mai e con alcune novità al seguito. Cogliamo l’occasione per augurare a tutti una buona e serena estate. Ci rivediamo a settembre, freschi e rilassati.

Marco

Monologhi: Kevin Kline a.k.a. Jacques

2011-06-20T17:00:00.011+02:00

Come vi piace è un film del 2006 diretto da Kenneth Branagh, trasposizione cinematografica dell’omonima commedia pastorale di William Shakespeare. E’ stato girato nei pressi di Londra, ma l’ambientazione è ispirata al Giappone del XIX secolo.

Il monologo tratto dal film vede come protagonista Jaques, amico del Duca esiliato nella Foresta di Arden, e innamorato della giovane Aldrina.

Tutto il mondo è un palcoscenico, e tutti, uomini e donne siamo attori. Con le nostre uscite e le nostre entrate. Un uomo, nel corso della vita, interpreta molte parti: sette età suddivise in sette atti. Dapprima il bambino, coi suoi versetti, che sbava in braccio alla nutrice. Poi lo scolaro piagnucoloso, coi suoi libri, ed il volto intirizzito dal mattino, che si trascina svogliato, come una lumaca, verso la scuola. Poi l’innamorato, che sospira come una fornace la triste ballata composta per il sopracciglio della donna amata. Dopo viene il soldato, con le sue bizzarre imprecazioni, baffuto come un leopardo, geloso del suo onore, impulsivo e pronto alla lite; alla ricerca di una effimera reputazione perfin nella bocca di un cannone. Poi il giudice, dalla bella pancia rotonda piena di capponi grassi, con l’occhio severo, con la barba ben curata, che sputa sagge massime, banalità che ritiene moderne, e anche lui recita la sua parte. La sesta età ti trasforma in un debole e sonnacchioso Pantalone, con i suoi occhialetti sul naso e una borsa al fianco, calzoni di quand’era giovane, ben conservati, ma oramai troppo larghi per le sue gambe rinsecchite; il bel timbro maschile della voce regredito ad una vocina fanciullesca: falsetti e soni acuti gli escono di bocca. L’ultima scena, poi, in fondo a questa strana e lunghissima storia, è una seconda fanciullezza: completo oblio, senza denti, senza occhi, senza gusto… senza niente.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Prendi i soldi e scappa"

2011-06-10T16:54:00.013+02:00

Prendi i soldi e scappa è il primo film di Woody Allen, girato nel lontano 1969, quando il regista era poco più che trentenne. Grazie a questo “falso documentario” (definizione dell’autore) Allen conquista il pubblico di tutto il mondo e si impone come nuovo astro nascente della comicità made in USA.

Il film racconta la vita di Virgin Starkwell, giovane ladruncolo da strapazzo totalmente imbranato a misurarsi con il mondo della malavita.

La scena che vi proponiamo oggi è a dir poco surreale, e racconta di un colloquio di lavoro in cui il nostro mette a dura prova il suo interlocutore (esperimento da non ripetere nella vita reale, se ci tenete davvero al lavoro).

DATORE DI LAVORO: Si accomodi. Il suo nome, prego?

VIRGIL: John C. Public. Public, ci dev’essere una L in mezzo.

DATORE DI LAVORO: Mister Public, ha avuto esperienze in qualche ufficio prima d’ora?

VIRGIL: Sì certo.

DATORE DI LAVORO: Di che tipo di ufficio si trattava?

VIRGIL: Rettangolare.

DATORE DI LAVORO: Ha per caso qualche esperienza nell’uso di un computer elettronico ultimo tipo?

VIRGIL: Sì l’ho usato.

DATORE DI LAVORO: In che ditta?

VIRGIL: Mia zia ne ha uno.

DATORE DI LAVORO: Sua zia di che si occupa?

VIRGIL: Io non me lo ricordo.

DATORE DI LAVORO: Ha detto di aver lavorato in un ufficio. Si occupava di produzione o di servizi?

VIRGIL: Produzione.

DATORE DI LAVORO: Si trattava forse di prodotti industriali?

VIRGIL: No mi spiace, è del tutto fuori strada.

DATORE DI LAVORO: Si trattava di prodotti agricoli?

VIRGIL: No, siamo lontani purtroppo. E il tempo concesso è ormai scaduto. Non è riuscito ad indovinare quale era la mia occupazione, ed è solo per compiacerla che le dirò che cosa facevo. Facevo scarpe da scale mobili per la gente che si era stufata di portare le scarpe da ascensore.

DATORE DI LAVORO: Eheh.

VIRGIL: Siccome non ha indovinato la mia occupazione, le resta solo il gettone di presenza: 10 dollari e molte grazie, andrà meglio la prossima volta. Lei è un buon giocatore.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Down by law"

2011-06-06T19:39:00.011+02:00

Alcuni mesi fa (era l’11 Marzo) avevamo già parlato di Down by law nella rubrica Monologhi. Avevamo proposto la scena in cui Bob (Roberto Benigni) recita un monologo cucinando una lepre da lui catturata non si sa bene come, dopo che i compagni di fuga Jack e Zack si erano allontanati a causa di un litigio.

Qui invece troviamo i tre amici ancora rinchiusi nella Orleans Parish Prison, intenti a giocare a poker in maniera tutt'altro che seria. E' una sequenza esilarante, e forse tra le più famose del cinema di Jim Jarmusch. Godetevela.

BOB: Yes.

ZACK: Watch out for Bob, maybe cheats.

JACK: Ahaha.

ZACK: Ahaha.

BOB: This is no joke, look where I am.

JACK: Ahahah.

ZACK: Ahahahh.

BOB: Ahahahah? Is no funny.

JACK: Two pairs.

BOB: What?

JACK: Two pairs. What you got?

BOB: Nothing.

JACK: Of course.

ZACK: Nothing.

JACK: Aaaaaaahhh!

BOB: What is aaaaaahhh?

JACK: Screaming.

BOB: Screaming? Never heard, screaming… screaming, screaming… ah screaming, screaming, one moment, I have screaming… screaming, eccolo qua: I scream, you scream, we all scream for ice cream. No, no aspetta. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream.

JACK: Yeah!

BOB: You understand that? I scream, you scream, we all scream for ice cream.

BOB e JACK (insieme): I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream.

BOB, JACK e ZACK (insieme): I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream. I scream, you scream, we all scream for ice cream…

Marco

Monologhi: Tommy Lee Jones a.k.a. lo sceriffo Ed Tom Bell

2011-05-31T17:16:00.008+02:00

Ancora una scena tratta dai Coen. Lo sappiamo, siamo ripetitivi, è che ci piacciono un sacco i film dei fratelli di Minneapolis.

Questa volta vi segnaliamo un monologo preso da Non è un paese per vecchi, opera vincitrice del premio Oscar nel 2008 come miglior film. La storia, ambientata nel sud del Texas nei primi anni Ottanta, è tratta dall’omonimo romanzo di Cormac McCharty, e vede come protagonisti Tommy Lee Jones, Anton Chigurth e Llewelyn Moss.

Il monologo in questione è la scena di apertura del film, in cui Ed Tom Bell tira le somme sulla sua vita da sceriffo nella sperduta contea texana.

A venticinque anni ero già lo sceriffo di questa contea. Difficile a credersi. Mio nonno faceva lo sceriffo, e anche mio padre. Io e lui siamo stati sceriffi contemporaneamente, lui a Plano e io qui. Credo che ne andasse fiero. Io ne andavo fiero, eccome. Ai vecchi tempi c’erano sceriffi che non giravano neanche armati. Molta gente stenta a crederci, Jim Scarbon non portava mai la pistola, e neanche Geston boy, quello della contea di Comanche. Mi è sempre piaciuto sentir parlare di quelli dei vecchi tempi, non ne ho mai perso l’occasione. Uno non può fare a meno di paragonarsi a loro, di chiedersi cosa avrebbero fatto loro al giorno d’oggi. C’è un ragazzo che ho mandato sulla sedia elettrica qui a Hadzville qualche anno fa, su mio arresto e mia testimonianza. Aveva ammazzato una ragazzina di quattordici anni. I giornali scrissero che era un crimine passionale, ma lui mi disse che la passione non c’entrava niente, che da quanto si ricordava aveva sempre avuto in mente di ammazzare qualcuno, e se non fosse entrato in galera l’avrebbe rifatto. Sapeva che sarebbe andato all’inferno, e da lì a un quarto d’ora ci sarebbe andato. Io non so cosa pensare, non lo so proprio. Con la criminalità di oggi è difficile capirci qualcosa. Non è che mi faccia paura, l’ho sempre saputo che uno dev’essere disposto a morire se vuole fare questo lavoro. Ma non ho intenzione di mettere la mia posta sul tavolo, di uscire per andare incontro a qualcosa che… non capisco. Significherebbe mettere a rischio la propria anima. Dire ok, faccio parte di questo mondo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "La ricotta"

2011-05-27T18:13:00.014+02:00

Pier Paolo Pasolini nel 1963 gira La ricotta, un mediometraggio che racconta la messa in scena in chiave parodistica di un film sulla passione di Cristo. L’opera, considerata dissacrante dalle autorità religiose dell’epoca, è costata al regista l’accusa di vilipendio alla religione cristiana per la sua carica polemica nei confronti della sfera del sacro.

Il film narra la storia di Stracci, un borgataro chiamato a vestire i panni di un ladrone che sarà crocifisso accanto a Gesù; una comparsa che dirà solo una battuta. Non riuscirà a portare a termine il suo compito: morirà un attimo prima di pronunciare quelle parole tra la quasi indifferenza dei presenti, perché stremato dall’abbuffata di ricotta fatta tra una pausa e l’altra delle riprese.

La scena riportata vede come protagonisti il direttore del film (interpretato da Orson Welles) e un giornalista che, approfittando di un momento di pausa del set rivolge al regista alcune domande.

GIORNALISTA: Permette una parola? Scusi tanto, forse disturbo, sono del Paese Sera.

REGISTA: Dica, dica.

GIORNALISTA: Permette, vorrei da lei una piccola intervista.

REGISTA: Ma non più di quattro domande.

GIORNALISTA: Grazie. La prima domanda sarebbe: che cosa vuole esprimere con la sua nuova opera?

REGISTA: Il mio intimo, profondo, arcaico cattolicesimo.

GIORNALISTA: …cattolicesimo. E che cosa ne pensa della società italiana?

REGISTA: Il popolo più analfabeta, la borghesia più ignorante d’Europa.

GIORNALISTA: Ah, e che ne pensa della morte?

REGISTA: Come marxista è un fatto che non prendo in considerazione.

GIORNALISTA: Quarta ed ultima domanda: qual è la sua opinione sul nostro grande regista Federico Fellini?

REGISTA: Egli danza. Egli danza.

GIORNALISTA: Ah, grazie. Arrivederla.

REGISTA: Ehi! “Io sono una forza del passato”. E’ una poesia. Nella prima parte il poeta ha descritto certi ruderi antichi di cui nessuno più capisce stile e storia, e certe orrende costruzioni moderne che invece tutti capiscono. Poi attacca giusto così: “Io sono una forza del passato, solo nella tradizione, è il mio amore. Vengo dai ruderi, dalle chiese, dalle pale d’altare, dai borghi dimenticati sugli Appennini e sulle Prealpi, dove sono vissuti i fratelli. Giro sulla Tuscolana come un pazzo, per l’Appia come un cane senza padrone, o guardo i crepuscoli le mattine su Roma, sulla Ciociarìa, sul mondo come i primi atti del dopo storia cui io assisto per privilegio d’anagrafe dall’orlo estremo di qualche età sepolta. Mostruoso chi è nato dalle viscere di una donna morta. E io, feto adulto, mi aggiro più moderno di ogni moderno, a cercare fratelli che non sono più.” Ha capito qualcosa?

GIORNALISTA: Beh ho capito molto… giro per la Toscolana…

REGISTA: Scriva, scriva quello che le dico. Lei non ha capito niente perché lei è un uomo medio. E’ così?

GIORNALISTA: Beh sì.

REGISTA: Ma lei non sa cos’è un uomo medio? E’ un mostro. Un pericoloso delinquente, conformista, colonialista, razzista, schiavista, qualunquista.

GIORNALISTA: Ehehem.

REGISTA: E’ malato di cuore lei?

GIORNALISTA: No, no, facendo le corna.

REGISTA: Peccato, perché se mi crepava qui davanti sarebbe stato un buon elemento per il lancio del film. Tanto lei non esiste. Addio.

Marco

Film della settimana: Festen

2011-05-23T22:10:00.005+02:00

Di Thomas Vinterberg

Con Ulrich Thomsen, Henning Moritzen, Thomas Bo Larsen

Helge Klingenfeldt, un ricco signore danese, raduna la famiglia al completo per festeggiare il suo sessantesimo compleanno. Il luogo scelto per l’evento è una lussuosa villa antica dispersa nella campagna a nord di Copenaghen. Tra le decine di ospiti illustri la narrazione segue principalmente i movimenti di Christian, il primogenito, un uomo alquanto imprevedibile. Sarà lui, a metà film, a rovinare irrimediabilmente l’idillio familiare confessando le nefandezze e gli abusi compiuti dal padre ai danni di Linda, la sorella minore morta suicida l’anno prima. Apriti cielo. E il cielo si apre per davvero sulla famiglia Klingenfeldt.

Festen è famoso nella storia del cinema per essere il primo film del collettivo Dogma 95, un movimento cinematografico danese fondato da Lars Von Trier e Thomas Vinterberg nella primavera del 1995. Nel manifesto firmato a quattro mani i due registi dichiarano che il movimento rappresenta un “voto di castità” nei confronti di un cinema “cosmetizzato fino alla morte”, sempre più schiavo delle nuove tecnologie e degli effetti speciali a scapito della storia da raccontare. Stilano così dieci regole fondamentali alle quali devono aderire tutte le persone che si propongono di partecipare al movimento: 1) Le riprese vanno girate sulle location. Non devono essere portate scenografie ed oggetti di scena. 2) Il suono non deve mai essere prodotto a parte dalle immagini e viceversa. 3) La macchina da presa deve essere portata a mano. Ogni movimento o immobilità ottenibile con le riprese a mano è permesso. 4) l film deve essere a colori. Luci speciali non sono permesse. 5) Lavori ottici e filtri non sono permessi. 6) Il film non deve contenere azione superficiale. 7) L’alienazione temporale e geografica non è permessa. 8) Non sono accettabili film di genere. 9) L'opera finale va trasferita su pellicola Academy 35mm, con il formato 4:3, non widescreen. 10) Il regista non deve essere accreditato. In conclusione ai dieci comandamenti Von Trier e Vinterberg tengono a precisare un ulteriore fondamentale pensiero: “Inoltre giuro come regista di astenermi dal gusto personale! Non sono più un artista. Giuro di astenermi dal creare un'"opera", perché considero l'istante più importante del complesso. Il mio obiettivo supremo è di trarre fuori la verità dai miei personaggi e dalle mie ambientazioni. Io giuro di far ciò con tutti i mezzi possibili ed al costo di ogni buon gusto ed ogni considerazione estetica. Così io esprimo il mio VOTO DI CASTITÀ."

Festen è il numero 544 della videoteca di Dedalo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Il buono, il brutto, il cattivo"

2011-05-20T18:08:00.011+02:00

Sullo sfondo della guerra di secessione americana, uomini sporchi e avidi di denaro si aggirano nei territori assolati del west. Sembrano figure mitiche, rese celebri dai soprannomi loro affibbiati: Biondo, Tuco, Sentenza. Unico obiettivo nella vita: sopravvivere, e possibilmente avere la pancia piena prima di andare a dormire.

Il buono, il brutto, il cattivo è il terzo capitolo della celeberrima trilogia del dollaro, ed è una pietra miliare dello spaghetti western, sottogenere cinematografico inaugurato da Sergio Leone nel 1964. E' un film epico, scolpito per sempre nella storia del cinema. Clint Eastwood, Eli Wallach, Lee Van Cleef sono attori che non hanno bisogno di presentazioni.

Nella sequenza vediamo il Brutto cadere nelle mani del Cattivo. Sentenza incastra il Tuco.

SENTENZA: Avanti, vieni avanti Tuco. Non fare complimenti. Quanto tempo eh? Hai fame? Siediti, mangia.

TUCO: Ahahahahahh, lo sapevo che… nel momento che t’ho visto mi sono detto: “guarda quel porco di Sentenza come si è piazzato bene. E lui non se li scorda gli amici.”

SENTENZA: Certo che non li scordo gli amici, Tuco.

TUCO: Bravo!

SENTENZA: Mi fa piacere di vederli ogni tanto.

TUCO: Giusto!

SENTENZA: Specialmente quando vengono da così lontano, e hanno tante cose da raccontarti. E tu ne hai di cose da raccontarmi eh?

TUCO: Eh!

SENTENZA: Tu sei stato preso a Fort Greg.

TUCO: Mh mh.

SENTENZA: Quindi se eri con Sibley vuol dire che venivi da Santa Fé.

TUCO: Mh mh.

SENTENZA: Brutto il deserto eh?

TUCO: Tanto brutto, specie se non hai niente da bere.

SENTENZA: Com’è che ti chiami Bill Carson adesso?

TUCO: Beh, è un nome buono come un altro, no? Il mio è meglio non portarlo in giro. E del resto anche tu, mica ti fai chiamare Sentenza. Ahah, il sergente Sentenza, ahahahah. Sarebbe bello.

SENTENZA: Dimmi Tuco, ti piace la musica?

TUCO: La musica? Sì che mi piace, fa bene alla digestione.

SENTENZA: E così Bill Carson è un nome inventato.

TUCO: Mh.

SENTENZA: Allora anche questa è inventata. C’è scritto Bill Carson dentro. Un po’ di tabacco? Coraggio, serviti pure.

TUCO: Ahhh!

Marco

Monologhi: Woody Allen a.k.a. Sandy Bates

2011-05-19T15:07:00.008+02:00

Di monologhi Woody Allen è maestro indiscusso, e forse il più prolifico. Da Prendi i soldi e scappa a Basta che funzioni il genietto di New York si è reso celebre nel creare personaggi strampalati, eccentrici e logorroici, che ricorrono a estenuanti monologhi per esprimere il loro pensiero sulla vita, sull’amore e sulla morte.

In Stardust Memories, film del 1980, Woody Allen è Sandy Bates, un regista che sta attraversando un lungo periodo di crisi creativa ed esistenziale. E’ follemente innamorato di Dorrie, la sua musa, una figura sfuggente e instabile, che lo destabilizza non poco.

Il monologo della scena è dedicato proprio a lei, e racconta un breve momento di felicità vissuto inaspettatamente da Sandy una domenica mattina.

Cercavo qualcosa che desse un senso alla mia vita e un ricordo attraversò la mia mente. Era una di quelle splendide giornate di primavera, era domenica, sentivi che l’estate era in arrivo. Ricordo che quella mattina con Dorrie eravamo andati a fare un giro nel parco. Tornammo a casa, ce ne stavamo seduti qua e là... e io misi un disco di Louis Armstrong, una musica che amo, ci sono cresciuto insieme, era molto carina. E mi successe di alzare lo sguardo e vidi Dorrie lì, e mi ricordo che pensai dentro di me che era magnifica e quanto l’amavo. E non lo so, credo che fosse tutto l’insieme, il suono di quella musica, e la brezza, e come vedevo bella Dorrie, e per un breve momento tutto sembrò fondersi perfettamente e io mi sentii felice, quasi indistruttibile in un certo senso. E’ buffo, quel semplice e breve momento di contatto mi commosse in un modo così profondo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "The Hours"

2011-05-16T17:13:00.010+02:00

Oggi la rubrica Dialoghi propone una scena tratta da un film famosissimo, The Hours, scritto da David Hare e diretto da Stephen Daldry nel 2002. Il film racconta le vite di tre donne vissute negli Stati Uniti in tre diversi momenti del Novecento: gli anni Venti, gli anni Cinquanta e la fine degli anni Novanta.

Il filo rosso che unisce le storie di Virginia, Laura e Clarissa (interpretate da Nicole Kidman, Julianne Moore e Meryl Streep) è un libro scritto da Virginia Woolf nel 1925, Mrs Dalloway.

Il dialogo che segue appartiene alla storia di Laura Brown.

KITTY: C’è nessuno? C’è nessuno? Laura?

LAURA: Ciao Kitty.

KITTY: Ciao, ti disturbo?

LAURA: Assolutamente no, vieni.

KITTY: Ti senti bene?

LAURA: Ma certo.

KITTY: Ciao Richie!

LAURA: Siediti, sto facendo il caffè. Ne vuoi una tazza?

KITTY: Perché no. Oh guarda, hai fatto una torta?

LAURA: Lo so, è venuta male. Speravo che venisse bene. Io speravo che venisse meglio di così.

KITTY: Laura non capisco cosa ci trovi di difficile. Chiunque è capace di fare una torta. Tutti le fanno, è una cosa facilissima. Scommetto che non hai nemmeno unto il tegame.

LAURA: L’ho unto il tegame.

KITTY: D’accordo. Comunque, tu hai altre doti. E ben ti ama tanto che non si accorgerà neanche, qualsiasi cosa tu faccia dirà che è meraviglioso. Beh è vero scusa.

LAURA: Rachel ha un compleanno?

KITTY: Certo che ce l’ha!

LAURA: E quando?

KITTY: A settembre. Andiamo al Counrty Club, andiamo sempre al Country Club. Beviamo Martini e passiamo la giornata con cinquanta persone.

LAURA: Hai tanti amici.

KITTY: Sì.

LAURA: Avete tutti e due tanti amici. Vi riesce bene. Come sta Ray? Non lo vedo da un po’.

KITTY: Sta bene. Che ragazzo incredibile.

LAURA: Lo puoi dire forte. Sono tornati dalla guerra. Se lo sono meritato., dopo tutto quello che hanno passato.

KITTY: Cosa hanno meritato?

LAURA: Non lo so, noi forse. Tutto questo.

KITTY: Ah, stai leggendo un libro.

LAURA: Sì.

KITTY: E di che cosa parla?

LAURA: Parla di una donna incredibilmente… un’ospite perfetta e incredibilmente sicura di quello che fa. Deve dare una festa, e forse proprio perché è così sicura tutti credono che sta bene, invece non è vero. Così…

KITTY: Beh,

LAURA: Kitty che c’è, qualcosa non va?

KITTY: Io… devo andare in ospedale per un paio di giorni.

LAURA: Kitty.

KITTY: Si sai, c’è una specie di escrescenza nel mio utero e devono entrare a dare un’occhiata.

LAURA: Quando?

KITTY: Oggi pomeriggio. Daresti da mangiare al cane?

LAURA: Ma certo. Sei venuta solo per chiedermi del cane? Cos’ha detto il dottore con esattezza?

KITTY: E’ probabile che fosse questo il problema per rimanere incinta. Io sono molto… veramente felice con Ray. E ora l’idea che ci fosse una ragione per cui non riuscivo ad avere figli… sei fortunata Laura, una non si sente realizzata come donna se non è madre. Nella vita, per ironia, ho sempre saputo fare tutto. Ovvero, sono riuscita a fare tutto sul serio, tranne l’unica cosa che volevo. Tutto qui.

LAURA: Se non altro ora potranno intervenire.

KITTY: Certo, è quello che vogliono fare.

LAURA: Certo.

KITTY: Non sono preoccupata. A che serve preoccuparsi.

LAURA: No, non controlli niente tu.

KITTY: Eh già, il controllo ce l’ha un medico mai nemmeno visto in vita mia. Un chirurgo che probabilmente beve più Martini di Ray.

LAURA: Kitty…

KITTY: E poi sono preoccupata per Ray.

LAURA: Kitty, vieni qui.

KITTY: Io sto bene, davvero.

LAURA: Lo so, lo so che stai bene.

KITTY: Semmai sono preoccupata per Ray che una cosa così lui non ce la fa…

LAURA: Lascialo perdere, lascialo perdere.

KITTY: Sei dolce. Sai come si fa, vero? Mezza scatoletta la sera e controlli l’acqua ogni tanto. Ray ci penserà al mattino.

LAURA: Kitty, ti è dispiaciuto?

KITTY: Cosa? Non mi è dispiaciuto cosa?

LAURA: Vuoi che ti accompagni?

KITTY: Sai, forse mi sento meglio se vado da sola.

LAURA: Kitty andrà tutto bene vedrai.

KITTY: E’ chiaro. Ciao.

Marco

Film della settimana: Stranger than Paradise

2011-05-11T19:36:00.011+02:00

Di Jim Jarmusch

Con John Lurie, Richard Edson, Eszter Balint

Il nucleo originario di Stranger than Paradise è un cortometraggio dal titolo The New World, realizzato nel 1982 grazie alla pellicola inutilizzata dall’amico Wim Wenders nel film Lo stato delle cose. Nel 1984 Jarmusch trova i fondi per estendere il progetto: conosce un giovane produttore tedesco, Otto Grokemberger, che finanzia la realizzazione di due nuovi capitoli dell’opera, One Year Later e Paradise. Stranger than Paradise viene completato nei primi mesi del 1984, ed entra in conscorso al Festival di Cannes dello stesso anno riuscendo a vincere il premio come miglior film d’esordio.

"Quello che non sopporto sono i film didatticamente politici, quelli che provvedono facilmente a dare delle risposte con le quali bisogna per forza essere d’accordo - ha dichiarato Jim Jarmusch qualche anno più tardi - questo, per esempio, è quello che fa un regista come Spielberg, nei cui film tutti sono capitalisti o almeno piccolo-borghesi, tutti credono in Dio e hanno gli stessi valori: politicamente lo trovo davvero disastroso e spregevole. Con questo non voglio dire che Spielberg sia un fascista, ma che non pensa politicamente: considera l’America come una specie di sogno, come un ideale. E’ un atteggiamento come questo a determinare il declino del Paese.”

Forte della convinzione di dare voce a individui che non riflettano necessariamente i valori più comuni della società americana, Jarmusch crea dei personaggi che vivono ai confini della comunità, e adotta un atteggiamento disilluso nei confronti del "sogno americano" rinvigorito in epoca reaganiana negli anni Ottanta. Indaga la vita dei cosiddetti outcast, di coloro che non hanno un vero e proprio lavoro, sono privi di una particolare ambizione e sono incapaci di decidere autonomamente il proprio destino perché alienati da una vita sostanzialmente sempre uguale a se stessa.

Nel film, Willy è un giovane immigrato ungherese che ama considerarsi americano al cento per cento. Per cena si permette pure un tv dinner, in perfetto stile yenkee anni Ottanta. Sfiga vuole che s'innamori di Eva, la cugina appena arrivata a New York dall'Ungheria, e non riesce a dichiararle il proprio amore perché si scopre profondamente impacciato a misurarsi con un sentimento del genere. Eddie (Richard Edson, ex batterista dei Sonic Youth), è il migliore amico di Willy e segue come un’ombra tutto ciò che fa il personaggio interpretato da John Lurie. Sui Cahiers du cinéma Hervé le Roux è glaciale nel descriverli: "Loro non vivono, funzionano. Per dirla tutta, sono due grandi funzionalisti. Ciò che più considerano dell’America è il football, le scommesse sulle corse e, soprattutto, il tv dinner."

Se non sapete cosa sia un tv dinner e morite dalla voglia di scoprirlo, è proprio il caso di vedere Stranger than Paradise. E’ il numero 516 della videoteca di Dedalo.

Marco

Monologhi: Anna Karina a.k.a. Nana

2011-05-10T17:41:00.016+02:00

Dopo il successo di A bout de souffle, uno dei capisaldi della nouvelle vague, Godard nel 1962 scrive e dirige Vivre sa vie (tradotto in italiano col titolo Questa è la mia vita), un film che non segue una linea narrativa tradizionale ma è strutturato in 12 capitoli tra loro giustapposti.

I dodici quadri, o tableaux, raccontano diversi aspetti della vita di Nana Kleinfrankheim, personaggio interpretato Anna Karina (all’epoca moglie di Godard), una giovane aspirante attrice che non riesce ad entrare nel mondo dello spettacolo e per questo si trova costretta ad entrare nel giro della prostituzione.

Il breve monologo estratto dal film ruota attorno ad alcuni problemi esistenziali di Nana.

Io credo che siamo sempre responsabili delle nostre azioni. E liberi. Alzo la mano, sono responsabile. Giro la testa a destra, sono responsabile. Sono infelice, sono responsabile. Fumo una sigaretta, sono responsabile. Chiudo gli occhi, sono responsabile. Dimentico di essere responsabile, ma lo sono. No, è quello che ti dicevo prima. Voler evadere è un’illusione. In fondo, tutto è bello. Basta interessarsi alle cose e trovarle belle. Sì, in fondo le cose sono come sono e nient’altro. Un volto è un volto. Dei piatti sono dei piatti. Gli uomini sono gli uomini. E la vita, è la vita.

Marco

Il volo - concorso fotografico

2011-05-09T19:09:00.031+02:00

Attenzione attenzione! Con grande piacere vi presentiamo le fotografie del 1° Concorso Fotografico di Dedalo Teatro. Sono 23 scatti, 23 variazioni sul tema del volo.

Da questo momento sono aperte le votazioni, e tutti gli associati sono chiamati ad esprimere la loro preferenza. Le foto sono numerate, e per votare è sufficiente mandare una mail all’indirizzo info@dedalo.org indicando il numero dell’immagine che ritenete più bella e originale.

Buona visione!

Vi ricordiamo che ogni associato ha diritto a votare una sola immagine.

Le votazioni saranno aperte fino a domenica 12 giugno 2011.

E grazie agli autori!

Dialoghi: sequenza tratta da "Blue In the Face"

2011-05-05T16:30:00.016+02:00

Scritto e diretto a quattro mani da Paul Auster e Wayne Wang, Blue In the Face è un film che racconta la vita di New York, e in particolare di Brooklyn, uno dei suoi quartieri più famosi, attraverso le storie dei perditempo che frequentano la tabaccheria di Auggie, personaggio interpretato da Harvey Keitel. Tra le comparse che affollano il negozio di Auggie, vale la pena ricordare almeno qualche nome eccellente: Jim Jarmusch, Lou Reed, Michael J. Fox e Madonna.
Il dialogo che vi proponiamo oggi, protagonisti Jim Jarmusch e Harvey Keitel, ruota attorno al mondo del fumo, delle sigarette, e di quanto Hollywood sia colpevole della diffusione in tutto il mondo di questo "bruttissimo" vizio. La sequenza è a dir poco esilarante. Eccola.

BOB: Credo che molta gente inizi a fumare perché… a Hollywood, nei film, il fumo è idealizzato. Si sai, guardi Marlon Brando o James Dean fumare una sigaretta... Marlene Dietrich…

AUGGIE: Così è come ho cominciato io.

BOB: A si?

AUGGIE: Quando ero adolescente vidi “A Walk in the Sun”. L’hai visto?

BOB: No.

AUGGIE: Richard Conte e… chi era l’altro? Non me lo ricordo. Comunque, sono nella campagna d’Europa, nell’esercito, durante la 2° guerra mondiale. Conte ha una mitragliatrice e il suo assistente le munizioni, o un’altra mitragliatrice. Mentre camminano sul sentiero che li porta alla battaglia, Conte comincia a filosofeggiare sulla vita, e ogni tanto dice: “Cicca!”. Il compagno gli dà la sigaretta, e poi sospira. E per qualche motivo, il modo in cui Richard Conte camminava sotto il sole con la mitragliatrice sottobraccio e diceva: “Cicca!”, penso che questo mi abbia fatto venire la voglia di fumare. E continuavo a fare questo scherzo agli amici al bar. Io dicevo: “Cicca!”, e loro: “Ma vattene, scemo!”

BOB: Ahahahhhah.

AUGGIE: Ahahhahah.

BOB: Parlando di film, questo non c’entra niente, però, stavo pensando… la notte scorsa stavo guardando la televisione, c’era un film giapponese. Chissà perché quando nei film c’è una sparatoria e finiscono le pallottole, clic, clic, buttano via la pistola. Proprio come se fosse un accendino scarico o qualcosa del genere. Dai, le pistole costano un sacco di soldi. Non possono semplicemente ricaricare l’arma?

AUGGIE: Ahahahahhh.

BOB: Sai di cosa sto parlando? Sempre no? Clic, e buttano via la pistola.

AUGGIE: E’ una giusta osservazione.

BOB: E un’altra cosa che mi sembra assurda, sono i film di guerra, quelli sui nazisti… perché fumano sempre in modo così strano?

AUGGIE: Uahahahahahh.

BOB: “Sappiamo come farti parlare, Auggie.”

AUGGIE: Ahahahahh.

BOB: E’ un tipo di minaccia no? o di tortura.

AUGGIE: Ahhhahh.

BOB: O se no fanno così: “Sì, sappiamo chi ha sbagliato, abbiamo visto quello che hai fatto”.

AUGGIE: Ahahahh.

BOB: Il peggio è che quelli di Hollywood ci hanno fatto prendere il vizio del fumo, sono loro ad averlo idealizzato… e adesso lì non puoi neanche più fumare. Accendi una sigaretta in un ristorante, e subito arrivano: “Mi scusi, signore, è proibito dalla legge fumare nei ristoranti.” Ma come, loro me lo dicono? Sono loro che mi hanno fatto cominciare? Capisci no?

Marco

Film della settimana: La classe - Entre les murs

2011-05-03T15:50:00.011+02:00

Di Laurent Cantet

Con François Bégaudeau, Esmeralda Ouertani, Rachel Régulier

La realtà dei sobborghi popolari di Parigi, le famose banlieue, è conosciuta al grande pubblico solo in parte. Non se ne parla spesso, e quando se ne parla, dai media arriva l’immagine di un luogo violento, di un ghetto in cui spesso scoppiano rivolte improvvise. L’ultima, la più “famosa”, è quella del novembre 2005, in cui vennero date alle fiamme migliaia di automobili e centinaia di persone furono arrestate. Qui in Italia, in particolare, non si conosce molto di quei posti, se non grazie ad un film come L’odio di Mathieu Kassovitz, che con amara chiaroveggenza, predisse ciò che sarebbe realmente successo dieci anni più tardi a Clichy-sous-Bois e a Montfermeil.

Il recente film di Laurent Cantet inserisce un tassello prezioso nel nostro immaginario, mettendo in luce un lato poco conosciuto delle banlieue, in quanto è ambientato interamente tra le mura di una normalissima scuola media. Più precisamente, indaga il rapporto complesso tra i ragazzini di una terza e il loro insegnante di lettere (François Bégaudeau, insegnante anche nella vita reale). “Volevo mettere in scena la realtà senza sposare un punto di vista politico - ha dichiarato il regista in un’intervista di un paio di anni fa - il professore può essere considerato conservatore quando chiede a un alunno di togliersi il cappellino in classe, e progressista quando interagisce pacatamente nell’insegnamento senza fare distinzioni. Nella classe che ho mostrato non accadono episodi estremi di violenza e droga, dati sicuramente reali ma resi eccezionali dai giornali.”

Ciò che il film sembra mettere in discussione, non è tanto la presunta capacità di François di saper insegnare qualcosa a dei ragazzini in difficoltà, quanto piuttosto l’efficacia del sistema scolastico in sé. Prova ne è che, nel finale, una giovane ragazza confida al professore di avere la sensazione di non aver imparato nulla durante l’anno, e con aria smarrita chiede all’uomo quale sia il senso dell’insegnamento di tutte le materie, perché certe cose s’insegnano e altre no, e a quale fine. A farle eco, a metà film, ci pensa Souleyman, ragazzo silenzioso e quasi sempre indifferente allo svolgimento delle lezioni, secondo il quale la cosa più importante da sapere non l’ha incontrata sui banchi di scuola, ma in una frase del Corano. Una frase che, lapidaria, riassume un principio di vita considerato così importante da essersela tatuata sul braccio sinistro: “Se quello che hai da dire non è più importante del silenzio, allora taci.”

La classe – Entre les murs è uno di quei film da vedere e rivedere milioni di volte, anche dietro fila. E’ il numero 577 della videoteca di Dedalo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Il maschio e la femmina"

2011-05-02T18:59:00.007+02:00

La rubrica Dialoghi, quest’oggi, consiglia una scena presa da Il maschio e la femmina di Jean-Luc Godard, forse l’esponente più famoso, nonché uno dei pochi rimasti in vita, della nouvelle vague francese. Il film è del 1966, e vede come attori protagonisti Jean-Pierre Léaud, Chantal Goya, Marlène Jobert e pure una comparsata di Brigitte Bardot.

La storia narrata è tratta da due novelle di Guy de Maupassant, e racconta la difficile relazione sentimentale tra Paul e Madeleine, due giovani ragazzi francesi che, a prima vista, hanno pochissime cose in comune. Il film indaga il loro avvicinamento piuttosto travagliato.

PAUL: Guardami negli occhi. A cosa pensi in questo momento mentre mi guardi? Rispondimi.

MADELEINE: Non penso a niente.

PAUL: A niente è impossibile. Sarai pure costretta a pensare a qualcosa. Si pensa sempre a qualcosa. Avanti, dimmelo.

MADELEINE: Non vedo perché.

PAUL: Perché voglio saperlo. Avanti, cosa pensi?

MADELEINE: Io…

PAUL: Su.

MADELEINE: Qual è per te il centro del mondo?

PAUL: Il centro del mondo?

MADELEINE: Sì.

PAUL: Per due che si conoscono appena è buffo cominciare col farsi domande del genere, no?

MADELEINE: No, no. Secondo me è una domanda normale.

PAUL: Tu trovi?

MADELEINE: Avanti, rispondi alla mia domanda.

PAUL: Il centro del mondo è l’amore.

MADELEINE: Per me, invece, il centro del mondo sono io.

PAUL: Ehm…

MADELEINE: Ti sembra ridicolo? A me sembra una cosa molto logica.

PAUL: In un certo senso, infatti è così.

MADELEINE: In che senso?

PAUL: Nel senso che tutti quanti viviamo in prima persona. Cioè, parliamo con la nostra bocca, guardiamo con i nostri occhi…

MADELEINE: Tu pensi che si possa vivere da soli? Sempre da soli?

PAUL: No, non mi pare che sia possibile. E’ assurdo vivere da soli. Proprio per quello che dicevo prima, che si ha bisogno di tenerezza, se no c’è da spararsi.

MADELEINE: Guardami negli occhi. Se un giorno ti dicessi che potrei amarti, tu saresti felice?

PAUL: Certo che lo sarei.

Ecco i filmati: il primo è doppiato in italiano, l'altro è in lingua originale (nel filmato originale, il "nostro" dialogo comincia al minuto 7, più o meno).

Marco

Film della settimana: Mister Hula Hoop

2011-04-28T15:27:00.028+02:00

Di Joel e Ethan Coen

Con Tim Robbins, Paul Newman, Jennifer Jason Leight

Mister Hola Hoop comincia con un fatto spiazzante, che lascia a bocca aperta sia i personaggi della storia sia gli spettatori in sala. Durante il Consiglio di Amministrazione della Hudsucker, gigantesca azienda americana con sede a New York, il presidente e fondatore Waring Hudsucker compie un gesto a dir poco spettacolare: con aria serena e al tempo stesso beffarda, il personaggio interpretato da Charles Durning si alza dalla sedia, spegne il grosso sigaro che tiene tra le mani, sale sul tavolo della riunione, prende la rincorsa e si getta dalla finestra del 45° piano dell’edificio.
Gli avidi membri del Consiglio, temendo che il pacchetto azionario dell’azienda venga messo in vendita, elaborano una strategia per far crollare i titoli al più presto, per poterli poi ricomprare ad un prezzo molto basso, e così mantenere saldo il loro potere. Si mettono alla ricerca di un idiota qualunque da nominare come nuovo vertice dell’azienda. O meglio, di un “perfetto imbecille”, come dice Sidney J. Mussburger, il burattinaio che tiene i fili dell’organizzazione, uno straordinario Paul Newman.
Norville Barnes, giovane e ingenuo porta posta, ultimo arrivato alla Hudsucker, sembra essere il pollo adatto da spennare. E’ un ragazzo neolaureato arrivato da pochi giorni a New York da Muncie, piccola cittadina dell’Indiana, è alla sua prima esperienza lavorativa, e, ovviamente, è sottopagato, come un classico stagista dei giorni nostri.
I vertici dell’azienda, però, non avevano fatto i conti con la capacità inventiva di Norville. Sarà sua l’idea di introdurre nel mercato statunitense il gioco che diverrà famoso in tutto il mondo alla fine degli anni Cinquanta, trasformandosi ben presto in un’autentica moda: il divertentissimo hula hoop.
La rivincita degli stagisti targata Joel e Ethan Coen.

Mister Hula Hoop è forse meno conosciuto di Fargo, Il grande Lebowski, o di Non è un paese per vecchi, ma non ha nulla da invidiare ai suoi fratelli maggiori. Secondo il blog di Dedalo è uno dei film più riusciti dei due geni di Minneapolis. E’ il numero 263 della videoteca di Dedalo.

Marco

Monologhi: Joan Fontaine a.k.a. Mrs. de Winter

2011-04-26T20:07:00.016+02:00

Dopo la lunga e rilassante pausa pasquale, il blog di Dedalo torna alla carica con un monologo tratto da Rebecca la prima moglie, un bellissimo film che oggi compie settantuno anni. E’ il primo lungometraggio di Alfred Hitchcock ad essersi aggiudicato il Premio Oscar come miglior film dell’anno, nel lontanissimo 1940. Quasi preistoria ormai.

Laurence Olivier è Giorgio Fortebraccio Massimiliano “Massimo” de Winter, un ricco signore rimasto vedovo della prima moglie Rebecca, scomparsa in circostanze misteriose. Il lord inglese conosce e sposa una giovane donna, interpretata da Joan Fontaine, e vive con lei in una lussuosa villa di Montecarlo. La seconda signora de Winter vive ossessionata dal ricordo di Rebecca, e diventa gelosa di tutto ciò che la riguarda. E la notte, fa dei sogni strani.

Il monologo qui proposto è il racconto di un sogno della donna, ed è anche l'incipit del film.

La scorsa notte ho sognato di essere tornata a Manderley, mi sembrava di essere ferma al cancello che chiude il viale, e di non poter entrare da chissà quanto tempo perché il passaggio mi era stato sbarrato. Poi, come accade a chi sogna, ad un tratto mi sentii in possesso di poteri sovrannaturali, e attraversai come un fantasma le sbarre che mi erano davanti. Il viale si snodava di fronte a me, con le sue curve tortuose, come una volta. Ma a mano a mano che andavo avanti mi accorsi che c’era qualcosa di mutato, la natura aveva ripreso quello che le apparteneva, e a poco a poco aveva invaso il viale con lunghe dita tenaci. Sempre più addentro si insinuava il misero sentiero che una volta era stato il nostro viale. Finalmente arrivai a Manderley. A Manderley, segreto e silenzioso. Il tempo non era riuscito a sfigurare la perfetta simmetria delle sue mura. Il chiaro di luna può giocare strani scherzi alla fantasia. Mi sembrò, improvvisamente, che giungesse luce dalle finestre. Poi, portata dal vento, una nuvola coprì la luna, e sembrò una mano scura davanti a un volto. L’illusione svanì. Quelle mura mi parvero simili a una conchiglia vuota in cui non risuonassero più echi di vita passata. Noi non possiamo tornare a Manderley, ormai è più che certo. Ma talvolta nei sogni, io rivivo quegli strani giorni della mia vita, che per me cominciarono sulle rive del Mediterraneo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "Rosencrantz e Guildenstern sono morti"

2011-04-13T17:47:00.009+02:00

La seconda proposta della rubrica Dialoghi è presa da Rosencrantz e Guildenstern sono morti, film del 1990 del regista e autore teatrale Tom Stoppard, con Tim Roth, Gary Oldman e Richard Dreyfuss.

Nella tragedia più famosa di Shakespeare, Rosencrantz e Guildenstern sono gli amici d’infanzia di Amleto, incaricati dal re Claudio di indagare se il giovane principe di Danimarca abbia realmente perso la ragione dopo l’omicidio del padre, o stia semplicemente fingendo. Il film di Tom Stoppard indaga ciò che nella tragedia resta fuori campo: racconta il viaggio di Rosencrantz e Guildenstern verso il castello di Elsinore.

La scena in questione vede i due amici allenarsi al gioco delle domande, in vista dell’impresa tutt’altro che semplice di capire la vera natura dei comportamenti di Amleto.

ROSENCRANTZ: Ti va una partita?

GUILDENSTERN: Siamo spettatori.

ROSENCRANTZ: Facciamo il gioco delle domande?

GUILDENSTERN: E come si gioca?

ROSENCRANTZ: E’ semplice, si fanno delle domande.

GUILDENSTERN: Affermazione! Uno a zero.

ROSENCRANTZ: Non vale.

GUILDENSTERN: Perché?

ROSENCRANTZ: Non avevo ancora cominciato.

GUILDENSTERN: Affermazione, due a zero.

ROSENCRANTZ: Ma che conti tutto?

GUILDENSTERN: Come?

ROSENCRANTZ: Conti tutto?

GUILDENSTERN: Fallo! Niente ripetizioni, tre a zero. Partita per me.

ROSENCRANTZ: Io non gioco se continui in questo modo.

GUILDENSTERN: A chi il servizio?

ROSENCRANTZ: Mmm…

GUILDENSTERN: Esitazione. Zero a uno.

ROSENCRANTZ: A chi tocca?

GUILDENSTERN: Perché?

ROSENCRANTZ: Perché no?

GUILDENSTERN: Perché cosa?

ROSENCRANTZ: Fallo. Niente sinonimi, uno pari.

GUILDENSTERN: In nome di Dio ma che succede?

ROSENCRANTZ: Fallo. Domanda retorica. Due a uno.

GUILDENSTERN: A che equivale tutto questo?

ROSENCRANTZ: Non lo indovini?

GUILDENSTERN: Stai parlando con me?

ROSENCRANTZ: C’è qualcun altro?

GUILDENSTERN: Chi?

ROSENCRANTZ: E io che ne so?

GUILDENSTERN: E lo chiedi a me?

ROSENCRANTZ: Ma fai sul serio?

GUILDENSTERN: E’ una domanda retorica?

ROSENCRANTZ: No.

GUILDENSTERN: Negazione, due pari. Punto e partita.

ROSENCRANTZ: Ma che ti prende oggi?

GUILDENSTERN: Quando?

ROSENCRANTZ: Cosa?

GUILDENSTERN: Sei sordo?

ROSENCRANTZ: Sono morto?

GUILDENSTERN: Si o no?

ROSENCRANTZ: C’è scelta?

GUILDENSTERN: C’è Dio?

ROSENCRANTZ: Fallo. No no, niente teologia. Tre a due. Una partita a testa.

GUILDENSTERN: Come ti chiami?

ROSENCRANTZ: E tu come ti chiami?

GUILDENSTERN: Prima tu.

ROSENCRANTZ: Affermazione. Uno a zero.

GUILDENSTERN: Come ti chiami quando sei a casa?

ROSENCRANTZ: Tu come ti chiami?

GUILDENSTERN: Quando sono a casa?

ROSENCRANTZ: Perché, è diverso a casa?

GUILDENSTERN: Quale casa?

ROSENCRANTZ: Non ce l’hai?

GUILDENSTERN: Perché me lo chiedi?

ROSENCRANTZ: Dove vuoi arrivare?

GUILDENSTERN: Come ti chiami?

ROSENCRANTZ: Ah, ripetizione. Due a zero. Punto partita.

GUILDENSTERN: Ma chi credi di essere?

ROSENCRANTZ: Domanda retorica. Partita e incontro per me!

Qui di seguito trovate il dialogo in lingua originale e quello doppiato in italiano.

Marco

Film della settimana: Stalker

2011-04-12T16:01:00.008+02:00

Di Andreij Tarkovskij

Con Alexandr Kajdanovskij, Anatolij Solonicyn, Nikolaj Grin’ko

La parola stalker, in inglese, identifica una persona che si introduce di nascosto, clandestinamente, in un luogo privato o segreto, in cui nessuno potrebbe mai mettere piede. Nel film di Tarkovskij, lo stalker è un uomo che si addentra in un terreno protetto dall’esercito e dichiarato inaccessibile dallo stato, una landa nei dintorni di Chernobyl. Pare che poco tempo prima un meteorite si fosse abbattuto in quel luogo, ora soprannominato la Zona, dando vita a fenomeni sinistri, al limite del paranormale (per inciso: il film è del 1979, sette anni prima del disastro alla centrale nucleare in Ucraina. Sarà pura coincidenza?).

Al centro della Zona si dice che esista una stanza in grado di esaudire i desideri della persona che vi mette piede. O meglio, non proprio tutti i desideri: solo quelli più profondi, più intimi, quelli di cui spesso non si ha neppure coscienza. Proprio per questo motivo è un luogo tanto affascinante quanto pericoloso, e che può riservare brutte sorprese a chi vi entra.

Il film si apre con la storia di Porcospino, una persona che ha avuto il coraggio di varcare la soglia della stanza perché mosso dalla volontà di riportare in vita il fratello scomparso. Ne uscirà ricco, e, disperato, si toglierà la vita. Questa storia servirà da monito ai due uomini che vogliono raggiungere la misteriosa stanza scortati dallo stalker, il cui viaggio si articola lungo gran parte dello sviluppo narrativo del film.

Nel mezzo del cammino, quando uno dei due chiede alla guida cosa sia esattamente la Zona in cui si stanno addentrando, e quali pericoli comporta, riceve questa risposta dallo stalker: “La Zona è un sistema molto complesso di trabocchetti, e sono tutti mortali. Non so cosa succeda qui in assenza dell’uomo, ma non appena arriva qualcuno tutto si comincia a muovere. Le vecchie trappole scompaiono, ne appaiono di nuove. Posti prima sicuri diventano impraticabili, e il cammino si fa ora semplice e facile, ora intricato fino all’inverosimile. E’ la Zona. Forse a certi potrà sembrare capricciosa, ma in ogni momento è proprio come l’abbiamo creata noi, come il nostro stato d’animo. Non vi nascondo che ci sono stati casi in cui la gente è dovuta tornare indietro a mani vuote. Alcuni sono anche morti, proprio sulla porta della stanza, ma quello che succede non dipende dalla Zona, dipende da noi.”

Stalker è il numero 531 della videoteca di Dedalo.

Marco

Dialoghi: sequenza tratta da "L'uomo senza passato"

2011-04-07T18:01:00.017+02:00

Oltre a Film della settimana e a Monologhi, oggi il blog di Dedalo è felicissimo di presentare Dialoghi, la nuova rubrica che si propone di riunire le scene di film più interessanti reperibili in rete: sequenze dialogate, composte da due o al massimo tre persone. Come nel caso di Monologhi, possono servire come spunti di lavoro da proporre in classe per eventuali esercizi, o semplicemente per godersi la piacevole visione in santa pace, quando si ha un attimo di tempo libero. Saranno scene brevi, della durata massima di tre, forse quattro minuti.

Il primo capitolo della nuova rubrica è preso da L’uomo senza passato, film di Aki Kaurismäki del 2002, vincitore del Grand Prix Speciale della Giuria al 55° Festival di Cannes. Un uomo arriva a Helsinki in treno, di notte. Addormentatosi su una panchina nei pressi della stazione, viene preso a bastonate da tre balordi, e perde la memoria. Comincia così la sua nuova vita nei quartieri popolari della capitale finlandese.

La scena che vi proponiamo ha un forte stampo surreale: M, personaggio principale della storia, ha invitato Irma a cena a casa (più che una casa vera e propria, meglio dire un modesto container), per la prima volta. E’ follemente innamorato della donna, tuttavia non ha mai trovato il momento adatto per dichiarare apertamente il suo amore. La cena offre a M l’occasione opportuna per agire.

IRMA: Sicuro che non vuoi che ti aiuti?

M: Credo che sia già rovinata. Comunque ci siamo, eccola, è pronta.

M: Hannibal!

IRMA: Ti capita spesso di cucinare?

M: Non tanto spesso.

IRMA: I piselli erano buoni.

M: Sono stato sulla luna.

IRMA: Davvero? E come l’hai trovata?

M: Molto tranquilla.

IRMA: Hai incontrato nessuno?

M: Veramente no, sai era domenica.

IRMA: E’ per questo che sei tornato?

M: Si, si. E anche per altri motivi.

IRMA: Stai fingendo o veramente non ricordi più niente?

M: Qualcosa me lo ricordo. Un capannone industriale, a metà di un lungo rettilineo su un’autostrada. Facevo qualcosa. Un calore ardente, una fiamma. Magari è un sogno, ho ricominciato a farne.

IRMA: Questo è un buon segno.

M: Forse. L’idea di una tomba senza nome…

M: Ci sediamo sul divano ad ascoltare un po’ di musica?

Marco

Monologhi: Pietro Tordi a.k.a. l’avvocato De Manzi

2011-04-05T17:07:00.006+02:00

La nuova proposta della rubrica Monologhi è tratta da una scena di Divorzio all’italiana, un film ormai datato ma pur sempre attuale (per diversi motivi, primo fra tutti il “problema” del matrimonio e le sue possibili, grottesche, soluzioni) di Pietro Germi, uscito in Italia nel lontano 1961, esattamente mezzo secolo fa.

L’interpretazione di Pietro Tordi nell’arringa dell’avvocato De Manzi è volutamente caricaturale e stereotipata. Nostro, chiaramente, è il compito di renderla più naturale ed espressiva possibile nel momento della performance. Buona arringa a tutti.

Signori della corte. Bocca baciata non perde ventura. Ma io vi dico, parafrasando un testo ben più alto e ben più sacro, riguardo a una donna con desiderio: ha già commesso peccato nel cuor suo. Perciò, mentre il treno trasportava Mariannina Terranova verso la sua tragica meta, mentre la trasportava inarrestabile come inarrestabile era il fato che la spingeva, lei, piccola e povera creatura del sud, avvolta nell’antico scialle scuro, simbolo del pudore delle nostre donne, le mani congiunte a torturarsi in grembo, quel grembo da Dio condannato, sacra condanna, ai beati tormenti della maternità, mentre il treno correva, così, come un incubo incessante, dove risuonava il mistico fragore delle ruote e degli stantuffi, e alle orecchie deliranti della povera Mariannina Terranova, disonorata, disonorata, disonorata, disonorata, disonorata, disonorata, disonorata… Ma l’onore, signori miei, l’onore, che cos’è l’onore? Terremo ancora per valida la definizione che di esso ne dà il Tommaseo, questo monumentale dizionario della lingua italiana, quando lo definisce come “il complesso degli attributi morali e civici che rendono un uomo rispettabile e rispettato nell’ambito della società in cui vive”, o lo butteremo noi nel ciarpame delle cose vecchie e inutili e sorpassate? Lettere, lettere vergate da anonime ma simboliche mani, lettere illeggibili, che offenderebbero la dignità di quest’aula, da citare tal’altre come questa, in una sola parola compendio la sorte dell’infelice Mariannina, cornuta, o come questa, che addirittura affida alla icasticità di un’immagine l’espressione del pensiero.

Marco

Film della settimana: Taxisti di notte

2011-04-01T18:08:00.005+02:00

Di Jim Jarmusch

Con Winona Ryder, Roberto Benigni, Matti Pellonpää

Questa settimana vi segnaliamo un flop cinematografico pazzesco, un autentico fiasco che merita di essere visto. Secondo autorevoli critici di mezzo mondo Taxisti di notte è il film peggiore della carriera di Jim Jarmusch, quello in cui il regista è stato accusato di non aver più nulla da dire, eccezion fatta per i giapponesi. E non si capisce bene il perché, fatto sta che molto spesso i film di Jarmusch riscuotono un considerevole successo nella cultura nipponica. Prova ne è che dei tre milioni e mezzo di dollari spesi per la realizzazione del film, due milioni sono arrivati dalla JVC, la storica società di produzione di Tokyo entusiasta di qualsiasi cosa Jarmusch faccia, produca o scriva.

Taxisti di notte è un lungometraggio diviso in capitoli, cinque esilaranti situazioni che accadono in contemporanea, di notte, ambientate nell’abitacolo di un taxi di cinque diverse città: Los Angeles, New York, Parigi, Roma e Helsinki.

Il film ha avuto un percorso di realizzazione piuttosto singolare. Dopo il successo di Down By Law, Jarmusch scrive con l’amico Rudy Wurlitzer il soggetto di un film western dal titolo provvisorio Ghost Dog. Purtroppo il progetto viene presto abbandonato causa forti divergenze tra i due, e la grande delusione provata dal regista di fronte al film mancato, lo porta a scrivere un progetto completamente diverso in tempi record: in soli otto giorni Jarmusch scrive la sceneggiatura di Taxisti di notte, e per la prima volta porta la macchina da presa fuori dai confini dell’America.

Fa un viaggio in Europa, nelle città che per qualche ragione hanno segnato positivamente la sua vita. Torna a Parigi, in cui ha vissuto un anno quando era uno studentello, e faceva il facchino tra una galleria d’arte e l’altra per mantenersi gli studi. A Roma, città in cui è stato con Roberto Benigni per alcune settimane, e la notte si divertivano a percorrere in contromano i sensi unici del centro (cosa ripetuta nel film). E la fredda Helsinki di Aki Kaurismäki, vecchio amico e compagno di bevute, a cui dà carta bianca per la storia da raccontare.

Proprio l’ultimo capitolo finlandese di Taxisti di notte è la chicca da non perdere per nessuna ragione al mondo. Vale tutto il film.

Marco

Monologhi: Fabio De Luigi a.k.a. Ezio

2011-03-24T17:03:00.013+01:00

Nella rete è stato soprannominato come il monologo sulla paura. E’ il monologo iniziale del recente Happy Family, film di Gabriele Salvatores tratto dall’omonimo testo teatrale di Alessandro Genovesi, ispirato a sua volta a Sei personaggi in cerca d’autore di Luigi Pirandello.
Ezio, personaggio interpretato da Fabio De Luigi, è uno sceneggiatore in costante crisi creativa: sembra avere paura di scrivere, di portare avanti la storia che vorrebbe raccontare (e che il pubblico in sala sta vedendo sullo schermo). Proprio con un monologo sulla paura, o forse è meglio dire sulle paure comuni a molti di noi, si apre film.

Il problema è che abbiamo paura, basta guardarci. Viviamo con l’incubo che da un momento all’altro tutto quello che abbiamo costruito possa distruggersi. Con il terrore che il tram su cui siamo possa deragliare. Paura dei bianchi, dei neri; della polizia e dei carabinieri. Con l'angoscia di perdere il lavoro, ma anche di diventare calvi, grassi, gobbi, vecchi, ricchi. Con la paura di perdere i treni e di arrivare in orario agli appuntamenti. Paura che scoppi una bomba, di rimanere invalidi; paura di perdere un braccio, un occhio, un dente, un figlio, un foglio. Un foglio su cui avevamo scritto una cosa importantissima. Paura dei terremoti, paura dei virus, paura di sbagliare, paura di dormire; paura di morire prima di aver fatto tutto quello che dovevamo fare. Paura che nostro figlio diventi omosessuale, di diventare omosessuali noi stessi. Paura del vicino di casa, delle malattie, di non sapere cosa dire; di avere le mutande sporche in un momento importante. Paura delle donne, paura degli uomini, paura dei germi, dei ladri, dei topi e degli scarafaggi. Paura di puzzare, paura di votare, di volare, paura della folla, di fallire, paura di cadere, di rubare, di cantare. Paura della gente. Paura degli altri.

Marco

Film della settimana: Fratello, dove sei?

2011-03-22T17:08:00.003+01:00

Di Joel e Ethan Coen

Con George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson

“Voi cercate una grande fortuna. Voi tre, che siete ora in catene, troverete una fortuna, anche se non sarà la fortuna che cercate. Ma prima dovete viaggiare, percorrere una strada lunga e accidentata, una strada irta di pericoli. Vedrete cose che al racconto susciteranno meraviglia. Voi vedrete una mucca sul tetto di una casa del cotone, e tanti e tanti fatti portentosi. Non posso dirvi quanto sarà lunga questa strada, ma non temete gli ostacoli lungo il percorso, poiché il fato vi ha accordato una ricompensa. Anche se la strada è tortuosa, e il cuore scoraggiato e afflitto, voi seguite il vostro cammino, seguitelo fino alla vostra salvezza.” Con queste parole dal sapore profetico comincia il lungo viaggio di Everett Ulysses McGill e dei suoi due amici verso casa, tre strampalati galeotti fuggiti dai lavori forzati nei campi del Mississippi. A pronunciarle è un vecchio e saggio non vedente incontrato quasi per caso sui binari assolati di una ferrovia, un moderno Tiresia in abiti sgualciti, figura mitica col potere di prevedere il futuro, narrata da Omero nel poema epico più famoso del mondo.

Il soggetto di Fratello, dove sei? (il bellissimo titolo originale è in inglese antico, O Brother, Where Art Thou?) è liberamente ispirato alle peripezie di Ulisse raccontate nell’Odissea, rilette in chiave apertamente surreale, in pieno stile fratelli Coen. Molteplici sono i riferimenti al poema omerico inseriti in questo road movie che si snoda nel profondo sud dell’America anni Trenta: un Ciclope camuffato da venditore di bibbie, l’affascinante Nausicaa e le sue ancelle, che sembrano appena uscite da un musical dai risvolti sexy, e soprattutto Penelope, moglie lontana e meta da raggiungere, caduta nelle mani del più valoroso dei Proci.

Sulle note della splendida ballata I’m a man of costant sorrow, l’Ulisse del film, antieroe per eccellenza, riesce a sfuggire alle insidie della sorte e a riconquistare la dolce amata. Come nell’Odissea di Omero, il lieto fine è scontato e assicurato. Non la cosiddetta morale, fortunatamente, come ricordano le parole pronunciate dal personaggio interpretato da George Clooney nel bel mezzo delle vicende: “è da folli cercare un senso nei meandri del cuore umano”.

Fratello, dove sei? è il numero 576 della videoteca di Dedalo.

Marco

Monologhi: Johnny Depp a.k.a. Axel Blackmar

2011-03-18T16:20:00.007+01:00

Questa volta vi segnaliamo un monologo preso da Arizona Dream, film del 1993 di Emir Kusturica. Il film si apre con un monologo interiore di Axel Blackmar, personaggio interpretato da un giovane Jonnhy Depp, un ragazzo che lavora al dipartimento della caccia e della pesca di New York, e trascorre gran parte del tempo in compagnia dei pesci. Li osserva, li studia, e li ama da morire. Questo monologo è dedicato proprio a loro.

Buongiorno Colombo! Diceva sempre così mia madre per ricordarmi che l’America è già stata scoperta e che i sogni sono molto lontani dalla realtà.  Ma che senso ha vivere se qualcuno ti ha già spiegato la differenza tra una mela e una bicicletta?  Se mordo una bicicletta e faccio un giro su una mela allora scoprirò la differenza!  Ma pensare a cosa fare mi stancava più dello stesso fare. Ricordo che mio padre una volta disse che per vedere l’anima di una persona bisognava farsi raccontare i suoi sogni: questo ti avrebbe permesso di avere pietà di quelli che stanno nella merda anche più di te. Mi chiamo Axel Blackmar e lavoro per il dipartimento della caccia e della pesca.  Molta gente pensa che io conti i pesci ma non è così! Io li osservo: osservo le loro anime e leggo i loro sogni, e poi li faccio entrare nei miei sogni. La gente pensa che i pesci sono stupidi, ma io ho sempre saputo che non lo sono, perché loro sanno sempre quando stare zitti. E’ la gente che è stupida! I pesci sanno tutto e non hanno bisogno di pensare. I pesci nascono in piccoli corsi d’acqua, dopo io li preparo per l’oceano, e quando sono pronti per morire, tornano nel luogo dove sono nati.  Sta qui il mio legame con loro: io sono tornato in città.  Comunque questo è il mio lavoro: immobilizzo temporaneamente i pesci con una scarica elettrica e poi li pesco uno alla volta.  A volte scruto a fondo gli occhi di un pesce e ci vedo dentro tutta la mia vita. Solo i pesci hanno questa facoltà e io li amo per questo.  Comunque, prendo i pesci, li etichetto, li misuro, li peso, mi assicuro che stiano bene. E se hanno voglia di parlare, sono sempre disponibile. E’ come essere il dio dei pesci.  E davvero non ho mai sentito un pesce mentire, non ho mai visto un pesce nuotare nella merda come fanno gli esseri umani.

Marco

Film della settimana: Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto

2011-03-15T17:57:00.010+01:00

Di Elio Petri

Con Gian Maria Volonté, Florinda Bolkan, Gianni Santuccio

Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto è uno dei rari film italiani ad essersi aggiudicato una splendida doppietta: il Grand Prinx della Giuria al Festival di Cannes e il Premio Oscar come miglior film straniero, ottenuti soprattutto grazie alla collaborazione di Ugo Pirro, Elio Petri, e Gian Maria Volonté. E’ anche uno dei film più tragicamente attuali mai realizzati in Italia negli ultimi seimila anni.

Il protagonista, il nuovo capo della sezione omicidi di Roma, è afflitto da uno strano tipo di ossessione, ai limiti della nevrosi: vuole testare fino a che punto la sua posizione possa garantirgli l’impunità davanti agli occhi della legge. Il film si apre con un delitto ai danni di una giovane e avvenente prostituta, con la quale trascorreva lunghe notti di piacere quando non era in servizio. Appena commesso il fatto, però, ha un comportamento a dir poco singolare: lascia evidenti prove del suo passaggio sulla scena del delitto (impronte digitali, fili di tessuto della cravatta, etc…), quindi chiama la polizia e segnala l’omicidio. Rientrato in centrale, s’impegna a seguire il caso; le indagini, pesantemente manipolate, portano sulle tracce di un ragazzo innocente: Antonio Pace, presunto membro di un movimento politico sovversivo.

Nel finale, quando la verità sta per venire a galla, succede qualcosa di inaspettato. Ovviamente, non saremo di certo noi a rovinarvi la sorpresa.

Piuttosto, è interessante ricordare quanto sostenne lo stesso Petri in uno scritto comparso anni fa in La avventurosa storia del cinema italiano, rispetto alla perenne attualità di un film come Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto, perché sembra riguardare una parte comune a tutti noi: “lo credo che se Indagine ottiene ancora consensi è perché in esso c'è qualcosa che riguarda la nostra interiorità. Ognuno ha la sua fetta di potere e tende ad esercitarla in modo autoritario, perchè dentro di noi è disegnata una società repressiva che domanda continuamente una presenza paterna, facendo di tutti noi dei bambini.”

Indagine su un cittadino al di sopra di ogni sospetto è il film che questa settimana abbiamo scelto per voi, e non potete perdervelo per nessuna ragione al mondo. E’ il numero 575 della videoteca di Dedalo.

Marco

Monologhi: Roberto Benigni a.k.a. Bob

2011-03-11T15:15:00.004+01:00

Oggi vi segnaliamo il monologo di un film che vede come protagonista Roberto Benigni nella sua prima esperienza cinematografica fuori dai confini dell’Italia. Nel 1986, dopo aver studiato intensamente l’inglese per tre mesi, l’attore toscano recita al fianco di Tom Waits e John Lurie in Down by law, film scritto e diretto da Jim Jarmusch, ambientato tra i sobborghi di New Orleans e le paludi della Lousiana. Bob, Zack e Jack, compagni di cella nella Orleans Parish Prison, riescono ad evadere dal carcere grazie ad uno stratagemma dell’italiano, e per seminare al più presto i propri inseguitori si avventurano alla cieca in un bosco molto fitto. Non è facile però orientarsi in un luogo del genere, e la consapevolezza di essersi smarriti porta presto forte attrito nel gruppo di fuggiaschi: Zack e Jack arrivano addirittura a darsele di santa ragione per futili motivi, e abbandonano Bob in mezzo alla foresta. Lui aveva appena catturato un coniglio e voleva dividere la cena con i due amici, ma, viste le circostanze, si ritrova a fare tutto da solo. Mentre sta “cucinando” la preda, gli tornano alla mente i ricordi della famiglia lontana in Italia:

Zack, Jack! Jack, Zack! Perché mi lasciate solo? C’è un ottimo coniglio qui. Me l’ha insegnato a cucinare mia mamma Isolina… è il nome della mia mamma. Con rosmarino, olio d’oliva, aglio… e i segreti di Isolina. Lei prima è gentile con il coniglio: “Sei bello coniglietto, che begli occhi!” E poi il colpo. E’ strana la mia mamma. Mio padre no. E’ forte ma ha paura dei conigli. Mia sorella… ho una madre e tre sorelle, Bruna, Albertina e Anna. Avevo una foto della mia mamma nella mia stanza… che ride con in mano un coniglio e l’altra così… A volte sogno la mia mamma che mi chiama: “Su Robertino, vieni qua” “no, non voglio”. “Vieni vieni”, tac! Che botta sul collo! “Non sono un coniglio” “si lo sei”. E’ strana la mia mamma, ma voglio bene alla mia mamma Isolina, e al mio babbo Gigi, e alle mie sorelle Bruna, Albertina e Anna, alla mia famiglia e al mio coniglio. Mi piace andare a caccia, sognare… Zack, Jack! Che bello rivedervi! Venite a mangiare il coniglio che ho cucinato! Venite!

Marco

Monologhi: Margaretha Krook a.k.a. la dottoressa

2011-03-08T17:16:00.008+01:00

Il secondo capitolo della rubrica Monologhi è tratto da una scena di Persona, film sperimentale di Ingmar Bergman del 1966, e vede come protagonista Margaretha Krook nei panni della dottoressa di un ospedale psichiatrico svedese.

L’attrice Elisabeth Volger, personaggio interpretato da Liv Ullmann, ha una crisi isterica sul palcoscenico durante la rappresentazione dell’Elettra: è vinta da un inspiegabile mutismo improvviso che la porta ad abbandonare il lavoro e a rinunciare alle relazioni con gli altri. Ricoverata in ospedale per accertare il suo stato di salute, risulta completamente sana sia di fisico che di mente. La dottoressa che la cura capisce la natura volontaria del comportamento di Elisabeth, e si rivolge alla donna in questo modo:

Credi che non ti capisca? Tu insegui un sogno disperato, questo è il tuo tormento. Tu vuoi essere, non sembrare di essere. Essere in ogni istante cosciente di te, e vigile. E nello stesso tempo ti rendi conto dell’abisso che separa ciò che sei per gli altri da ciò che sei per te stessa. Provoca quasi un senso di vertigine il timore di vedersi scoperta, vero? Di vedersi messa a nudo, smascherata, riportata ai suoi giusti limiti. Poiché ogni parola è menzogna, ogni gesto falsità, ogni sorriso una smorfia, qual è il ruolo più difficile? Togliersi la vita? Ma no, sarebbe poco dignitoso, meglio rifugiarsi nell’immobilità, nel mutismo, si evita di dover mentire. Oppure mettersi al riparo dalla vita, così non c’è bisogno di recitare, mostrare un volto finto e fare gesti voluti. Non ti pare? Questo è ciò che si crede. Ma non basta celarsi, perché vedi la vita si manifesta in mille modi diversi, ed è impossibile non reagire. A nessuno importa sapere se le tue reazioni sono vere oppure false, sincere oppure bugiarde, solo a teatro il problema si rivela importante, e forse neanche lì. Io ti capisco Elisabeth, capisco il tuo silenzio, questa tua immobilità, e perché tu abbia elevato a sistema di vita la tua assurda apatia. Capisco, e quasi ti ammiro. Secondo me dovresti continuare a recitare la tua parte fino in fondo, finché essa non perda ogni interesse e abbandonarla così come sei abituata a fare, passando da un ruolo all’altro.

Qui trovate, uno accanto all'altro, il monologo in lingua originale e quello doppiato in italiano.

Marco

Film della settimana: Ferro 3 - La casa vuota

2011-03-07T16:44:00.012+01:00

di Kim Ki Duk

con Hee Jae e Seoung-yeon Lee

Esistono persone che abitano temporaneamente case altrui quando i proprietari non ci sono: se ne prendono cura, sistemano le cose fuori posto, raddrizzano i quadri storti. Poi se ne vanno, e cercano un’altra casa da far “rivivere”. Dalle ville alle case popolari ogni spazio privato che le ospita subisce dei piccoli miglioramenti. Sono persone che per comunicare non si affidano al linguaggio verbale, non ne sentono particolare necessità. Si esprimono in azioni concrete, piccoli gesti, sguardi, e grazie a questi elementi riescono in parte a conoscersi, avvicinarsi e trovarsi.

Gli altri, i personaggi che ruotano attorno alla storia, parlano tanto e spesso non si capiscono, fanno chiasso, si agitano e litigano. I problemi nascono quando le interferenze tra i due mondi si fanno più frequenti e marcate, quando il secondo irrompe con tutta la sua violenza nel primo.

E’ molto bello vedere quale tipo di soluzione riescono a trovare Sun-Hwa e Tae-Suk alla fine del film, per garantirsi spazi di vita serena e invisibile alle spalle di un mondo che sta perdendo la capacità di vedere porzioni di realtà. Fortunati loro.

Ferro 3 propone un tipo di recitazione che può interessare tutti noi che abbiamo a cuore questo tipo di linguaggio. E’ il film che noi vi consigliamo questa settimana. E’ il numero 443 della videoteca di Dedalo.

Marco

Monologhi: Toni Servillo a.k.a. Giulio Andreotti

2011-03-03T15:34:00.015+01:00

Accanto a Film della settimana, oggi il blog di Dedalo inaugura Monologhi, una nuova rubrica che ha l’ambizione di raccogliere i monologhi a nostro avviso più significativi della storia del cinema e del teatro disponibili in rete. E’ anche un modo per suggerire spunti sui quali lavorare durante l’anno quando è necessario avere un monologo pronto da provare in classe, o semplicemente per tenerli a mente in vista delle temutissime audizioni finali di giugno e settembre. E, soprattutto, per i provini ai casting.

Il primo monologo che vogliamo qui ricordare è tratto da un film molto famoso, Il divo di Paolo Sorrentino, che magari qualcuno di voi non ha ancora visto (e allora fatelo immediatamente, cosa aspettate!), ma del quale sicuramente tutti ne avrete sentito parlare. E’ la risposta del cinema ai loschi affari fatti da Andreotti e la sua cricca nel corso della seconda metà del secolo scorso.

Giunto al settimo mandato da Presidente del Consiglio dei Ministri, e con le indagini della magistratura che stringono sempre più sui rapporti tra il divo Giulio e la mafia, il personaggio interpretato da Toni Servillo, simulando un dialogo ipotetico con la moglie Livia, trova il coraggio di confessare in privato le proprie colpe. Tuttavia non sembra pentirsene, tutt’altro.

Ecco il testo del monologo:

Livia, sono gli occhi tuoi pieni che mi hanno folgorato un pomeriggio andato al cimitero del Verano, si passeggiava e io scelsi quel luogo singolare per chiederti in sposa, ti ricordi? Si lo so gli occhi tuoi pieni e puliti, incantevoli e incantati non sapevano non sanno e non sapranno e non hanno idea. Non hanno idea delle malefatte che il potere deve commettere per assicurare il benessere e lo sviluppo del paese. Per troppi anni il potere sono stato io. La mostruosa, inconfessabile contraddizione: perpetuare il male per garantire il bene. La contraddizione mostruosa che fa di me un uomo cinico e indecifrabile anche per te; gli occhi tuoi pieni, puliti e incantati non sanno la responsabilità diretta o indiretta per tutte le stragi avvenute in Italia dal 1969 al 1984 e che hanno avuto per la precisione 208 morti e 817 feriti. A tutti i familiari delle vittime io dico si, confesso è stato anche per mia colpa , mia colpa, mia grandissima colpa. Questo dico anche se non serve. Lo stragismo per destabilizzare il paese, provocare il terrore, isolare le parti politiche estreme, per rafforzare i partiti di centro come la DC. La hanno definita strategia della tensione: sarebbe più corretto dire strategia della sopravvivenza. Roberto, Michele, Giorgio, Carlo Alberto, Aldo, per vocazione o per necessità, ma tutti irriducibili amanti della verità, tutte bombe pronte ad esplodere che sono state disinnescate col silenzio finale. Tutti a pensare che la verità sia una cosa giusta e invece è la fine del mondo! Noi non possiamo consentire la fine del mondo in nome di una cosa giusta! Abbiamo un mandato noi, un mandato divino! Bisogna amare così tanto Dio per capire quanto sia necessario il male per avere il bene. Questo Dio lo sa, e lo so anch'io.

Marco

Film della settimana: Amleto si mette in affari

2011-02-25T18:30:00.011+01:00

Di Aki Kaurismäki

Con Pirkka-Pekka Petelius, Esko Salminen, Kati Outinen

“Amleto si mette in affari racconta le incredibili avventure di un giovane dal temperamento vivace quanto una lumaca e dal cuore caldo quanto un frigorifero. […] Non stupisce il fatto che Ofelia si metta a singhiozzare nel bagno. Ma non lasciatevi incantare dalla bellezza artistica di quest’opera: è questione di soldi, di vita o di morte.” Le parole di Aki Kaurismäki tratte dall’imperdibile Dialogo sul cinema, la vita, la vodka presentano a chiare lettere ciò che il film è nella sostanza, ossia una moderna e lucidissima interpretazione dell’opera più famosa di William Shakespeare, riletta attraverso la lente deformante del grottesco.

Il teatro delle vicende si sposta dalla Danimarca a Helsinki, e il celeberrimo castello di Elsinore, luogo centrale della tragedia, è sostituito da un’industria finlandese che produce paperelle di plastica. Anche ai personaggi che si muovono nella storia è riservato lo stesso trattamento straniente: se l’Ofelia di Shakespeare nutriva nei confronti di Amleto un amore puro e sconfinato, l’Ofelia di Kaurismäki è interessata all’uomo solo per meri motivi di calcolo economico. Lo stesso Amleto, se si tengono a mente le parole del regista sopra riportate, è tutt’altro che un giovane colto e dall’intelligenza raffinata: è piuttosto un babbeo scemo e capriccioso.

Così, pur rimanendo per molti aspetti fedele al testo originale, alla capacità di delineare nel profondo i tratti distintivi dell’essere umano in relazione a un determinato periodo storico, Kaurismäki se ne discosta apertamente nella forma e nello stile, riuscendo a costruire un ritratto sottile e per nulla scontato dei vizi (molti) e delle virtù (poche) della “dannata” borghesia capitalista che andava affermandosi in Finlandia negli anni Ottanta. Queste, infatti, le domande fondamentali poste dal film secondo lo stesso autore: “chi ha ucciso il direttore generale? I cantieri navali di Hyvinkää saranno abbandonati pur di ottenere il monopolio mondiale nella produzione di paperette di plastica? E dov’è il berretto dell’autista? […] Chi risulterà vincitore, chi pagherà il prezzo di questo classico dramma underground di serie B in bianco e nero? Nessuno lo sa.” Che il dilemma accompagni la vostra visione.

Questa settimana non potete perdervi Amleto si mette in affari, sarebbe pura follia. Lo trovate al numero 599 della videoteca.

Marco

Film della settimana: The Sraight Story

2011-02-18T17:30:00.012+01:00

Di David Lynch

Con Richard Farnsworth, Harry Dean Stanton, Sissy Spacek

The Straight Story si inserisce nel “filone narrativo” della cinematografia di David Lynch, inaugurato da The Elephant Man nel 1980 e continuato dieci anni dopo con Wild at Heart, a conferma del fatto che la sperimentazione di forme linguistiche nuove e strettamente personali (o lynchane, come si suol dire) si accompagna spesso al bisogno di tornare a una narrazione classica, fedele ai canoni tradizionali del montaggio “invisibile”. Se la struttura narrativa del precedente Lost Highways ricorda la forma paradossale del nastro di Mobius, come hanno notato sfilze di critici, semiologi e tuttologi, qui la linearità della storia è chiara e definita fin da subito, come peraltro suggerito dal titolo: parte da un paesino dell’Iowa e arriva a Mont Zion, nel Wisconsin.

Per dare una misura della bellezza della storia è sufficiente ricordare ciò che succede all’inizio del film: Alvin Straight, un vecchietto a cui è stato da poco diagnosticato un male difficilmente curabile, riceve una telefonata dal fratello Lyle che non vede da moltissimi anni causa un banale litigio irrisolto. Lyle porta brutte notizie, ormai non gli rimane molto da vivere. Alvin vorrebbe vederlo un’ultima volta, ma è privo sia di patente che di automobile e il fratello vive a centinaia di chilometri di distanza, e di farsi accompagnare da qualcuno non ne vuole proprio sapere. Preso da un momento di sconforto getta un occhio fuori dalla finestra che da’ sul giardino, dove ad attendere il suo sguardo c’è un bellissimo trattorino tosaerba mezzo scassato. Ebbene sì, userà proprio questo rottame come mezzo di locomozione per raggiungere Lyle nel Wisconsin, affrontando un viaggio alla velocità massima di 5 miglia orarie.

Particolare da non trascurare, The Straight Story racconta un fatto realmente accaduto in America nel 1994 al settantatreenne Alvin Straight. L’interpretazione di Richard Farnsworth, qui alla sua ultima apparizione cinematografica, rimarrà nei secoli tra le più memorabili e disarmanti che il cinema ricordi.

Lo trovate al numero 517 della videoteca.

Marco

Frammenti da "Ad occhi chiusi"

2011-02-17T17:08:00.032+01:00

Cuore dell'Alba, la stella del mattino, era un grande cacciatore, il più grande. Un giorno volle prender moglie e scelse la Lince. La Iena, invidiosa, decise di prendere il suo posto. Le offrì del cibo, contraffatto con un maleficio. Lince lo accettò, e cadde sotto l'incantesimo; perse ogni ornamento... bellezza, coraggio, spirito... sconvolta, corse a nascondersi. Iena, trionfante, si travestì, andò alla sua capanna e prese il suo posto...

...tuttavia, la sorella di Lince si accorse dell'inganno e corse ad avvertire Cuore dell'Alba. Il cacciatore, furioso, piombò su Iena con la lancia. La mancò. Iena fuggì e nel panico si bruciò i piedi nel focolare. Così ancora oggi all'alba la iena scivola nella propria tana, con quella sua strana andatura... e i San, quando una persona, quando lo spirito di una persona si sta perdendo dicono "il tempo della iena è su di lei".

Dedalo Teatro

Film della settimana: Il nastro bianco

2011-02-11T18:40:00.016+01:00

Di Michael Haneke

Con Susanne Lothar, Ulrich Tukur, Burghart Klaußner

“Come uomo di cultura tedesco, penso che il 1913/1914 sia un periodo molto affascinante. Ma Il nastro bianco non è “solo” un film storico, il fanatismo a cui si riferisce non è “solo” quello nazista tra il 1933 e il 1945. Ovviamente se racconto di ragazzini che in quel periodo hanno tra i 10 e i 15 anni li ritroverò uomini e donne sotto Hitler: ma nello stesso tempo il senso della mia storia si riferisce a ogni forma di fanatismo anche successivo, anche contemporaneo, da quelli di stampo comunista a quello islamico…

Se il fanatismo consiste nel dare delle risposte immediate che annullano il ragionamento, allora oggi viviamo in un momento storico in cui il dominio della televisione ci impone questo tipo di pensiero e di comportamento. Se il cinema vuole continuare ad essere una forma d’arte deve andare contro questo fanatismo televisivo, contro il meccanismo delle risposte istantanee e trattare il pubblico più seriamente. Questo è quello che molti, vedendo Il nastro bianco, hanno etichettato come rigore.

[…] Il nastro bianco del titolo è il “premio” che significa appartenenza al gruppo, alla comunità, al mondo degli adulti, all’istituzione. Solo in questa logica l’individuo trova la sua giusta collocazione. Avevo pensato però anche a un altro titolo, La mano destra di Dio, perché i piccoli protagonisti, una volta che li hanno assorbiti come assoluti, applicano gli ideali alla lettera, al 100%, punendo allo stesso modo chi invece non li condivide o non li ha fatti propri in modo così totale. Ecco perché non considero Il nastro bianco un film storico sulla Germania che inevitabilmente andava verso il nazismo hitleriano: è un’opera contro qualsiasi uso corrotto di idee corrotte.” (Intervista a Michael Haneke a cura di Alessandra Matella, tratta dal numero 57 della rivista duellanti)

Il nastro bianco vi porta a spasso nella Germania di inizio secolo.

E’ il film che vi consigliamo questa settimana.

E’ il numero 574 della Videoteca di Dedalo.

Marco

Laboratorio di messa in scena

2011-02-11T17:55:00.013+01:00

"... questo stesso vasto globo, sì,
e quello che contiene, si dissolverà,
come la scena priva di sostanza ora svanita,
senza lasciare traccia. Noi siamo della materia
di cui son fatti i sogni e la nostra piccola vita
è circondata da un sonno".
W. Shakespeare

"Il giorno che moriremo una lieve brezza cancellerà
le nostre impronte dalla sabbia.
Quando calerà il vento chi dirà nell'eternità
che una volta camminammo qui, all'alba del tempo?"
da un canto dei Boscimani del Kalahari

"ALLESTIRE" è un laboratorio sul processo di messa in scena di uno spettacolo.
Un laboratorio di livello avanzato per attori, rivolto a chi abbia concluso un percorso di formazione almeno triennale.
Un laboratorio che si terrà a Dedalo, a partire da Febbraio 2011.

ANNOTAZIONI SUL LABORATORIO

Allestire è, nella sua origine, una parola usata dai marinai.
Allestire una nave: disporre il carico, bilanciarlo. Mettere a punto prima di partire.
Allestire uno spettacolo è preparare una nave per un viaggio.
La mia esperienza mi ha portata a pensare (e praticare) il lavoro di messinscena come un processo, un intenso percorso di ricerca condiviso tra persone.
So che se si lavora seriamente, il viaggio che porta ad uno spettacolo "finito" può essere molto lungo; forse è per questo che spesso i "laboratori di produzione" portano a raccogliere ottimi materiali di scena che, "per mancanza di tempo", restano grezzi, con un ampio margine di approssimazione.

Questo laboratorio si focalizzerà proprio su quella parte di lavoro che spesso, soprattutto in ambito formativo, si sfiora appena.
Nel lungo processo di creazione, "allestire" è il momento in cui la storia deve trovare la sua forma. È il momento in cui si articola il linguaggio di uno spettacolo, ove ogni aspetto (struttura drammaturgica, scelte inerenti lo spazio, l'ambiente sonoro, gli oggetti, la recitazione, etc) confluisce in un insieme espressivo coerente. È il processo di lavoro attraverso cui si fissano - forse per sempre - le "regole generatrici" di quel mondo vivente che è una storia raccontata sulla scena.
Tutto ciò sarà il cuore pulsante del laboratorio.

Sarà un laboratorio di formazione: un viaggio di ricerca, innanzitutto, ove sia possibile incontrare occasioni per imparare, chiarire o ispirare il proprio lavoro.
Oltre e insieme a questo, il percorso approderà alla realizzazione di uno spettacolo teatrale.

Perché tutto questo sia possibile all'interno di un tempo ragionevole, il laboratorio disporrà di una base di materiali di lavoro da me proposti "a priori": un plot narrativo di base, spunti relativi a possibili scelte di linguaggio, riferimenti e "fonti" a cui rivolgersi nella ricerca. Avremo in pratica un terreno già preparato e fertile, evitando lunghe fasi divergenti. Come in un gioco, ci sarà un contesto, delle regole, vincoli che consentiranno grande libertà di movimento. E molte domande.

I materiali di cui si disporrà derivano dall'esperienza maturata la scorsa stagione insieme a un gruppo di studenti di Dedalo, con la preparazione del saggio "Ad occhi chiusi". Malgrado l'incompiutezza del lavoro, tipica di uno studio, la materia ancora grezza si è rivelata talmente ricca di spunti da convincermi (insieme - va detto - alle richieste di alcuni studenti tenaci) a farne la base per il laboratorio.

Rispetto ai contenuti, solo due coordinate.
Chiunque sia interessato avrà modo di parlare a lungo con me dello spirito del lavoro.
"Ad occhi chiusi" è l'esito di un'esercitazione su "la Tempesta" di Shakespeare, in cui gli allievi hanno avuto infinita libertà di movimento, la possibilità di allontanarsi totalmente da una interpretazione letterale. E così è stato, alla fine. Niente isole, niente sovrani, niente magia.
La troupe di un film, persa nel cuore più inaccessibile del deserto del Kalahari.
Acqua e viveri per pochi giorni.
Intorno, un ambiente selvaggio, vivo di una vita inconoscibile.
Il deserto è uno specchio in cui guardarsi. Non sempre quello che si vede è rassicurante.
Kalahari, ossia "kgalagadi", la grande sete...
La Tempesta è lontana, eppure non posso fare a meno di pensare ai naufraghi che vagano sull'isola di Prospero come a degli Antenati.
Così sarà anche per il laboratorio.
Non sarà un lavoro sulla Tempesta. La Tempesta sarà una delle sue fonti sotterranee.
Il deserto sarà il mondo, sarà il personaggio principale della storia. Sarà la storia.

Laura Butti

Film della settimana: Elephant

2011-02-04T18:19:00.010+01:00

Di Gus Van Sant

Con John Robinson, Alex Frost, Elias McConnell, Eric Deulen

Un’antica leggenda indiana racconta la storia di un elefante circondato da quattro persone sedutegli attorno con gli occhi bendati, tenute all’oscuro che dinanzi a loro ci sia un animale così grande. La prima persona allunga la mano in direzione dell’elefante e dice: “Questa è una zampa!” La persona che le sta a fianco compie lo stesso gesto ed esclama: “Questa è una coda!” La terza persona incalza sicura: “Sono certo, questa è un’orecchia!” E l’ultima: “Questa per me è una proboscide!”

Le quattro persone messe alla prova riconoscono la parte dell’animale che hanno toccato con le proprie mani, tuttavia nessuna di loro riesce a vedere l’elefante. Ne hanno riconosciuta una parte, ma il tutto è loro sfuggito, l’insieme che include tutte le singole parti.

Come ha suggerito Gus van Sant in un’intervista di qualche anno fa, noi spesso ci rapportiamo alla complessità del reale in cui siamo immersi in questi termini.

Nel caso di Elephant, appare evidente come a volte i genitori si relazionino così alle vite dei loro figli. Credono forse di conoscerle fino in fondo, in realtà non ne conoscono che una piccola parte. E questo non è sufficiente. Poi rimangono increduli quando i figli entrano in una scuola e compiono un massacro ai loro occhi senza motivo alcuno, come successe alla Columbine High School il 20 aprile del 1999.

Elepahnt è il film che noi vi consigliamo questa settimana.

Se non lo avete ancora visto, o se avete voglia di rivederlo e non avete tempo di scaricarlo, lo trovate al numero 360 della videoteca di Dedalo.

Marco

Siamo stati via per un po'...

2011-01-25T10:33:00.008+01:00

Siamo stati via per un po'.
Ora siamo tornati.
Per il momento qualche prova per la nuova grafica.
Presto nuovi contenuti.

Dedalo Teatro

Festa di Natale!

2007-12-06T17:02:00.000+01:00

Ciao a tutti!
Mercoledì 19 dicembre, come ormai d'abitudine al Guinness Pub "La Buca" di Via San Vincenzo, ci sarà la festa di Dedalo. Dalle 21:00 in poi ci troviamo per farci gli auguri e salutarci prima della pausa natalizia... spero verrete tutti. Tra parentesi, alcuni di voi già sanno che da gennaio non sarò più a Dedalo, la festa potrebbe quindi essere un'occasione per salutarci...

Daniele

NUOVI CORSI DA FEBBRAIO

2007-12-04T14:27:00.000+01:00

Cari amici di Dedalo,
sono aperte le iscrizioni per i nuovi corsi di Recitazione e di Pre-doppiaggio che partiranno il prossimo mese di febbraio 2008.
Il Corso Base + Primo Anno di Recitazione è rivolto a chi desidera iniziare un percorso formativo sulla recitazione e non ha avuto la possibilità di iscriversi ai corsi base di Ottobre.
Il programma affronta gli stessi temi di lavoro sviluppati nel Corso Base e nel Primo
Anno; fa eccezione la preparazione del saggio di fine anno: questo per poter dedicare
tutto il percorso agli aspetti formativi e dare così la possibilità agli interessati di
accedere al Secondo Anno.
Il Corso di Pre-doppiaggio si rivolge invece a chi abbia già una preparazione da attore (avendo seguito almeno un anno di corso base) e vuole finalizzare il proprio lavoro recitativo al mestiere del doppiatore. L’obiettivo del corso è mettere l’allievo nelle condizioni ottimali per entrare in uno studio di doppiaggio.

Per maggiori informazioni, potete contattare la segreteria di Dedalo al numero 02/58114589.

Beppe e Daniele

Il Grande Slam

2007-11-26T15:32:00.000+01:00

Dedalo Teatro presenta "Il Grande Slam", una commedia sull'amore, l'amicizia, i gatti e i divani.

Il Grande Slam, cioè vincere i quattro tornei di tennis più importanti del mondo nello stesso anno, è un’impresa praticamente impossibile. Un po’ come tenere insieme amore, amicizia, animali e arredamento. Quattro esseri umani e un divano e l’impalpabile presenza di un gatto che non c’è. Quattro personaggi in cerca d’amore (per tacer del gatto) che attraversano uno scorcio della vita... con ironia... a volte... e a volte no... comunque attraversano (un po’ come le oche di St. James Park, ma questa è un’altra storia).

Sulla scena un divano, di un salotto sguarnito, di una casa sguarnita. Dario seduto su di esso guarda il vuoto. Bello il vuoto. La relazione tra Dario ed Elena è in crisi. E lui non ne è tanto felice. Niente di originale, ma questo pensiero non gli è di alcun aiuto. L’arrivo del suo migliore amico (accompagnato da una bottiglia di vodka) potrebbe essere uno spiraglio di luce in un momento delicato e difficile. E invece...

Il Grande Slam è una commedia basata su ritmo, dialoghi incalzanti e la chimica tra i personaggi che la animano, dipinta, interpretata e portata in vita con naturalezza, entusiasmo e una qualità leggera e vitale nella recitazione e nella messa in scena.

Lo spettacolo verrà presentato al pubblico lunedì 3 dicembre 2007 al Teatro Caboto, in via Caboto, 2 a Milano.
Inizio ore 21:00.
Biglietto 10 Euro.
Per informazioni e prenotazioni e-mail: grandeslam@malafarina.net
tel: 0258114589

Festa di Inizio Stagione!

2007-09-22T16:57:00.005+02:00

Finite le ferie, stanno per iniziare i nuovi corsi... e allora giovedì 4 ottobre ci troveremo tutti al Guinness pub "La Buca" (in via San Vincenzo), dalle 21:00, per salutarci, raccontarci, o soltanto berci una pinta... insieme. Venite tutti (sì tutti quanti, nessuno escluso!) e portate amici e conoscenti e anche quel vostro vicino di casa che sembra sempre così scorbutico ma in fondo è simpatico...

Daniele

Nuova Stagione!

2007-09-06T18:48:00.000+02:00

Finiscono le vacanze e comincia una nuova stagione. Sono aperte le iscrizioni per i corsi di recitazione. Teatro, cinema, seminari, laboratori e spettacoli. Sperando che i mesi a venire siano divertenti, creativi, istruttivi...
Bentornati!

Dedalo

Superwoobinda - parte 2

2007-07-20T17:41:00.000+02:00

La settimana trascorsa a preparare i personaggi di "Superwoobinda" è e resterà un momento sensibile della mia esperienza. A distanza di qualche giorno non ricordo la fatica fisica (avanti e indietro da Novara arrivando a delle ore impossibili), il poco sonno, l'attenzione e la concentrazione. Sono cose che si ricordano, certamente, ma quello che più rimane è la marea di input ricevuti, le prove, i tentativi nel costruire le varie personalità che ci sono toccate, le piccole follie che ogni giorno nascevano nel divertimento generale. Ci siamo subito trovati e capiti tutti, abbiamo subito formato una squadra varia ed assortita che ha lavorato bene, pur usando ognuno la propria diversa sensibilità e i propri tempi. Eleonora ha avuto una pazienza infinita ed è stata fenomenale: ci ha trasmesso passione, vitalità, tantissimi consigli pratici e di letture, tutto ciò che può esserci utile e ciò che può essere dannoso. Un GRAZIE ENORME a Eleonora e ad ogni singola persona con cui ho condiviso questa meravigliosa settimana!

Un abbraccio!

Beppe

Superwoobinda

2007-07-19T15:35:00.000+02:00

Finito anche il seminario Superwoobinda... con una piccola prova aperta nelle sale di Dedalo e con dodici personaggi particolari, a tratti inquietanti, a tratti buffi, teneri e minacciosi... a dar loro vita Beppe, Carolina, Davide, Elena, Francesco, Fulvia, Massimiliano, Meri, Roberto, Silvia, Sonia e Vitia... a condurre Eleonora. Ho avuto il piacere di assistere al percorso, una settimana intensa, divertente e faticosa. Ho riso, mi sono commosso, ho imparato delle cose e dormito poco. E a tutti vorrei dire una cosa: Grazie.

Daniele

Party Time

2007-06-21T20:13:00.000+02:00

Le luci si sono riaccese: tutto lo spazio che abbiamo usato per il nostro “Party time” è pieno di oggetti, vestiti, cioccolatini (ahimè liquefatti) e bicchieri che abbiamo con delicatezza appoggiato per terra durante l’ultima parte della nostra rappresentazione. Siamo sudatissimi, bagnati, emozionati, accaldati: le persone che sono venute a vederci, i nostri amici, le nostre famiglie e i ragazzi degli altri corsi di Dedalo applaudono affettuosamente. Ecco il risultato, ecco come finisce, vogliamo dire… trionfalmente… il nostro anno. E’ stato un anno faticoso, impegnativo per uno spettacolo impegnativo non solo da preparare ma da capire: comprendere le parole, i gesti da fare, la struttura del testo. Ci siamo impegnati, abbiamo creato, ci abbiamo sofferto anche un po’ sopra, ma ci siamo anche tanto divertiti, abbiamo mangiato (molto, abbiamo mangiato veramente quantità industriali di cibo durante le prove) e abbiamo anche bevuto tanto… una volta dovevamo provare come si comporta la gente un po’ brilla…e allora…giù con una bella bevanda fresca e alcoolica…che ridere! Come se non lo sapessimo…ma è stato bello provarlo tutti insieme…

In tutta questa massa di ricordi, di parole vi sono alcune cose che non scorderò mai.

Prima di iniziare lo spettacolo, nel nostro momento di concentrazione, la commozione generale che ha letteralmente fatto…aprire i rubinetti… e allora ecco che ogni singolo abbraccio diventa una carica e un apporto reciproco di coraggio e di fiducia: ed io ogni singolo abbraccio lo ricordo perfettamente nella sua intensità e differenza. Senza parole perché non ce n’era bisogno.

E alla fine dello spettacolo, stare lì abbracciati uno accanto all’altro: non sapere dove guardare e allora cercare gli occhi di qualcuno che sorride o che fa cenno di sì con la testa e cercare gli sguardi dei tuoi compagni e del tuo insegnante per avere la certezza: ragazzi, ce l’abbiamo fatta!

Grazie a tutti!

Beppe

Dopo il terzo anno... dopo la notte di Emory...

2007-06-20T15:18:00.000+02:00

L'esperienza di questi tre anni a Dedalo, con Roberto, Fabio e Laura, mi ha lasciato un segno indelebile che mi accompagna tutti i giorni, in ogni cosa che faccio, in ogni persona che incontro...
Il metodo di lavoro esprime la purezza delle cose semplici, vere ed umane... ed una volta che hai fatto questa esperienza porterai con te più ricchezza...
Nella preparazione del saggio inoltre, abbiamo compreso quanto fosse importante ascoltare i nostri compagni e mettersi al servizio degli altri, infatti era così che tutto funzionava...
...La maggior parte delle persone che ha assistito ad uno spettacolo di Dedalo, ha vissuto l'esperienza della storia raccontata dagli allievi con semplicità... ed è questo il vero teatro...

Antonella

ANNUNCIO!

2007-06-14T14:32:00.000+02:00

nei mesi scorsi nelle sale di Dedalo si sono svolte prove di diversi spettacoli. Diversi per forma, contenuto e inclinazioni. Questi lavori, che si trovano in momenti diversi del loro percorso, verranno mostrati per la prima volta a fine giugno al Teatro Trebbo, in via DeAmicis, 17.

I 4 progetti sono:

Così Vicino
di Camilla Antoniotti, Massimiliano De Mattia e Carmen Platania.
Con: Camilla Antoniotti, Massimiliano De Mattia e Carmen Platania.
al Trebbo il 22 e 27 giugno alle 21.
Costo: 8€ (6€ per i soci di Dedalo)
informazioni e prenotazioni: 338-3153441, compagnia.icaro@gmail.com

Piove col Sole
di Francesco Bittasi e Andrea Bruson.
Con: Francesco Bittasi, Giulia Di Fonzo e Fabio De Marco.
al Trebbo il 25 e 30 giugno alle 21.
Costo: 8€ (6€ per i soci di Dedalo)
informazioni e prenotazioni: ciaobitta@interfree.it

Il Grande Slam
di Daniele Malafarina.
Con: Camilla Antoniotti, Fiorella Campagna, Lorenzo Castrignano e Daniele Malafarina.
al Trebbo il 26 e 29 giugno alle 21.
Costo: 8€ (6€ per i soci di Dedalo)
informazioni e prenotazioni: grandeslam@malafarina.net
www.malafarina.net/grandeslam.htm

(prova aperta)
Frammenti(studio a partire da “La psicosi delle 4 e 48” di S. Kane)
di Fiorella Campagna e Laura Tombini.
Con: Fiorella Campagna e Laura Tombini.
al Trebbo il 28 giugno alle 21.
Costo: Offerta libera
informazioni e prenotazioni: fiotrottolina@hotmail.it

E' previsto un abbonamento per chi volesse assistere a tutte e 4 le serate.

Daniele

FESTA!

2007-06-12T13:57:00.000+02:00

Finiti i saggi, finita la stagione... i seminari ancora non iniziati... sembra il momento ideale per una festa.
E allora mercoledì 20, dalle 21 in poi, al Guinnes pub "La Buca", di via San Vincenzo facciamo una festa!
Portate voi stessi e i vostri amici... non necessariamente in quest'ordine...

Daniele

Chissà se questi 12 ragazzi potranno finalmente raccontare a terzi di cosa parla il saggio?

2007-06-08T19:09:00.000+02:00

Me li immagino mentre spiegano la trama agli amici che sarebbero venuti a vederli, mentre cercano delle parole giuste che rendano un senso che forse non è stato loro chiaro fino a quasi l'ultimo minuto prima di salire sul palco...

Erano le 6 di quel pomeriggio quando finalmente abbiamo fatto la seconda e ultima filata... poco male, contando lo spazio nuovo, le nuove entrate e uscite di quinta, le nuove luci... tante cose che i ragazzi sono riusciti a tenere insieme senza perdersi troppo... tecnicamente buono, ma un po' sgonfio, con poca intensità...
Quaranta minuti di libera uscita e poi di nuovo tutti insieme (puntuali, la prima volta da quando li conosco) per fare un po' di training, ormai con un debutto che ora è incredibilmente vicino... 30'
Illuso da questa loro puntualità mi ritrovo da solo sul palco ad aspettare 10 prime donne che nel frattempo con mascara e ombretto consumano gli specchi dei bagni del Trebbo... 15' per raccoglierli tutti!!!
La solidarietà dei due maschi del gruppo non è certo ricaduta su di me... entrambi scomparsi e solidali nei tempi di preparazione alle loro compagne.
Va beh, il training l'abbiamo fatto lo stesso, solo 15', ma non ce lo siamo fatti mancare... e sono stati intensi, hanno tirato fuori quel tanto che più o meno inconsciamente stavano maturando dentro... quella bellezza che hanno poi mostrato al loro pubblico...
Ancora qualche minuto insieme prima del saggio, raccolti nello stanzino del Trebbo a cercare coraggio memoria e forza mentre il pubblico si sistemava...

Tutto il resto è stato quello che volevamo che fosse... ognuno ha preso su di se la forma del proprio corpo e il suono della propria voce e tutti insieme, nel mentre che facevano, hanno creato quella storia che è diventata la loro.

A Carlo, Chiara, Edoardo, Federica, Francesca, Laura, Laura, Liana, Paola, Silvia, Valeria e a Valeria, grazie

Max

Foto del saggio

2007-06-07T19:23:00.000+02:00

Mario ha fatto delle foto... potete vederle qui!

"Solo Andata"... Il Giorno dopo... il saggio del primo anno...

2007-06-07T13:49:00.001+02:00

Ci siamo trovati nel tardo pomeriggio al Trebbo, inizialmente abbiamo fatto delle prove tecniche sulle luci, le musiche e i cambi scena nello spazio nuovo del teatro.

Nel tardo pomeriggio abbiamo provato l’intero spettacolo.

Prima di entrare in scena, mentre iniziava ad arrivare il pubblico, abbiamo fatto venti minuti circa di training, molto intenso ed intimo, sembrava quasi che le voci, al di la del tendone, si attenuassero per poi sparire definitivamente, con il gruppo si è venuto a creare un momento solo nostro di distacco totale da ciò che avveniva effettivamente nel teatro.

Poi Max, prima di salire sul palco, ci ha rassicurato.

Durante lo spettacolo ho provato un misto di eccitazione e paura, cercavo di focalizzare quello che ci aveva detto Max prima di iniziare, di pensare a divertirci, sentendo ciò che stavamo facendo e che dovevamo riflettere al pubblico tutto quello che il corso ci aveva dato durante l’anno.

Volevo che uscisse fuori ciò che avevamo imparato e che va oltre il testo del saggio, che va oltre la tecnica, si tratta di qualcosa di più sensoriale, quasi magico.

Mai come ieri ho sentito la vicinanza con il gruppo un’empatia silenziosa che tutti abbiamo percepito e mai, prima di quest’anno, avrei immaginato di poter creare dei legami così profondi con delle persone che conosco così poco, mi sento meno rigida nei confronti di me stessa e degli altri….e questo va oltre….

Liana

Saggi

2007-06-06T14:46:00.000+02:00

Iniziano oggi i saggi dei corsi di reecitazione. Al teatro Trebbo, in via De Amicis, 17. Ecco il calendario:

Mercoledì 6 - Primo Anno (Max)
Sabato 9, lunedì 11 e martedì 12 - Terzo Anno (Laura)
Mercoledì 13 - Secondo Anno del sabato (Ettore)
Giovedì 14 e venerdì 15 - Secondo Anno A (Fabio)
Sabato 16 e domenica 17 - Secondo Anno B (Fabio)

Siete tutti benvenuti...

Daniele

Benvenuti!

2007-05-29T18:54:00.001+02:00

Apriamo così il blog di Dedalo, sul finire della stagione, poco prima dei saggi...
Dedalo... un'associazione culturale che da anni si occupa di teatro... Corsi e seminari dunque... Ma anche spettacoli e produzioni.
Su queste pagine virtuali potrete leggere un pochino di quello che succede a Dedalo.
Delle persone che passano per le sale dell'associazione... insegnanti, allievi, artisti e scienziati... e delle loro storie, quando si intrecciano a quelle di altri in un intrico di vite che dall'alba porta all'arte.
Più prosaicamente useremo il blog anche per informare delle nostre iniziative, corsi, laboratori, seminari e spettacoli...
E andiamo a incominciare...

Daniele